mars 2013 - Artichaut magazine

Braises qui voulaient être flammes

Critiques Théâtre

31 mars 2013

par Thomas Dupont-Buist

Il est de ces spectacles que l’on a envie d’aimer, gagné d’avance par l’idée qui les habite. Et pourtant, une fois devant le résultat, quelque chose de vague nous empêche de conforter notre sentiment premier. Comme un écran qui se dresse entre l’oeuvre et nous, imperceptible, insaisissable. Il faut alors traquer ce vague sentiment, tâcher de le préciser afin de comprendre pourquoi il a éclipsé l’engouement qui d’abord nous habitait. J’avoue avoir dû passer au travers de ce long processus de réflexion pour espérer mettre le doigt sur ce qui ne fonctionnait pas dans Nature de feu, performance théâtrale de la sublime artiste multidisciplinaire, Rénouka Chaudhary.

Nature de feu (Crédit photo Isabelle Moisan)

Nature de feu (Crédit photo Isabelle Moisan)

Toutes les conditions d’un grand succès semblaient pourtant avoir été établies. Exactement le genre de théâtre qui est capable de sublimer l’existence. À mi-chemin entre le spoken word, la chanson, les procédés clownesques et le théâtre expérimental, Nature de feu avait fait le pari de mettre la poésie en mouvement tout en personnifiant l’émotion. En français comme en anglais, de surcroît, ajoutant au péril. Dans ce spectacle d’une seule femme, intimiste au possible, avec absolument rien à quoi s’accrocher en cas d’échec, il fallait une interprète impeccable pour faire vivre les poèmes du Torontois Richard Nieoczym. Rénouka Chaudhary, sans aucun doute, était la femme de la situation. Formée au chant classique, possédant l’une de ces voix à vous fendre l’âme, la question vocale était réglée. Parfaitement à l’aise dans son corps, d’une discipline physique hors du commun, la précision de ses gestes était elle aussi exemplaire. Pour ce qui est de l’accompagnement à la guitare, la naïveté avec laquelle elle en jouait n’avait rien pour déplaire. Mais la plus grande de ses qualités résidait sans doute dans cette arme fatale, ce charisme magnétique. Un regard qui soutient le vôtre, qui incessamment cherche à le croiser, sans que vous puissiez vous défaire de son emprise. Pas de doute, Rénouka Chaudhary était prête pour un aussi grand défi et nous ne pouvions qu’attendre en silence qu’elle enferme la beauté au Prospero, quelques instants, pour nous.

Lorsqu’elle surgit finalement sous nos yeux, de tout cœur, on a envie de l’aimer. Et pourtant, une forme d’absence semble nous la ravir périodiquement. En petit troubadour, elle récite espièglement des vers qui font hommage à la nature. Elle ponctue son discours de grimaces et d’oeillades adressées au public. De sa guitare, elle accompagne son lyrisme. Tout paraît bucolique, les oiseaux chantent presque à son approche. Et puis soudainement, sans crier gare (et sans qu’une forme de progression justifie un changement aussi abrupte), le tableau prend douloureusement fin pour laisser place au prochain. Colifichets et vêtements de couleurs criardes sont mis à la corbeille, la ville est venue transformer la jeune femme naïve que l’on venait à peine de nous présenter. Commence dès lors une débâcle sans nom, arrosée au fort et d’un parfum de smog. C’est la cocaïne, le désir qui consume et la douleur hurlée par une guitare électrique dissonante. Ça y est, la jeune fille est pervertie. Les poèmes récités dans ce tableau y sont plus faibles, le malaise s’installe.

Nature de feu (Crédit photo Isabelle Moisan)

Nature de feu (Crédit photo Isabelle Moisan)

Le dernier tableau, où la jeune fille arrive à se ressaisir et à retourner à la nature (naïveté en moins), n’arrive pas à éviter la lente chute du spectacle, emporté par une mise en scène résolument inefficace. Rénouka a beau s’escrimer à vouloir tout faire, les transitions sont trop lentes, bien des déplacements injustifiés. Puisqu’elle doit elle même opérer les changements de décors et de costume, le spectateur a amplement le temps de décrocher de l’intensité envoûtante déployée par l’actrice. Certaines chansons ou poèmes plus faibles et répétés à outrance ne font rien pour aider la pauvre actrice qui doit fournir une dose incroyable d’énergie à un public qui répond de moins en moins. Dommage. Car si l’on peut aisément ne pas avoir apprécié ce spectacle, on ne peut se défaire de la charismatique Rénouka. Si seulement on pouvait la revoir ailleurs, il serait impossible de ne pas la reconnaître comme extrêmement talentueuse. Et alors peut-être que notre envie première de l’aimer pourrait enfin se concrétiser.

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Nature de feu de Richard Nieoczym au Théâtre Prospero du 27 au 29 mars en français et du 3 au 5 avril en anglais. M.E.S. Richard Nieoczym.

Thomas Dupont-Buist Jadis sous les projecteurs, il lui aura fallu un certain temps pour se rendre compte que l’on était finalement bien mieux parmi le public, à regarder le talent s’épanouir. Un chantre des arts de la scène qui aime se dire que la vie ne prend tout son sens que lorsqu’elle a été écrite.

Immersion dans les profondeurs de la troisième dimension québécoise (1)

Cinéma Le cinéma 3D au Québec

28 mars 2013

par Thomas Dupont-Buist

Première partie : Histoire stéréoscopique

Il y a de ces projets que l’on traîne longtemps, sans trop savoir comment les aborder. Puis, tranquillement, on prend son courage à deux mains, on relève ses manches et on s’y met. Tout semble trop grand, trop complexe pour en tirer quoi que ce soit d’intelligible. Un grand casse-tête à assembler avant qu’il ne réussisse à vous briser le crâne. Quand j’ai commencé à travailler sur l’avènement de la technologie 3D dans les milieux de création cinématographique au Québec, j’étais motivé à fond (malgré l’appellation du sujet, presque aussi complexe que son propos). Je venais de voir l’audacieux film Pina de l’Allemand Wim Wenders pour lequel je ne tarissais pas mes éloges. Le génie créatif de Pina Bausch, danseuse et chorégraphe m’avait sidéré, la réalisation avant-gardiste du réalisateur ayant osé proposer de la 3D avec contenu, encore plus. Rapidement est venu ce moment où l’on regarde la montagne à gravir, sans trop apercevoir le sommet. Le vertige de la tâche à accomplir. Sans trop y croire, on met le tout en branle et on avance. C’est ce petit chemin de croix que je vous offre aujourd’hui, bien plus tard que prévu. Dans l’espoir de faire ressortir un portrait cohérent d’une technologie parfois négligée, dont les secrets peuvent être difficiles à percer pour le néophyte, mais qui reste l’une des innovations les plus prometteuses de la décennie. Premier texte d’une série de trois.

Brisons tout d’abord un mythe, voulez-vous? La stéréoscopie[1] communément appelée « 3D » n’est pas du tout un phénomène nouveau. Si vous avez un jour la chance de rencontrer le verbomoteur René Villeneuve, cofondateur du Groupe Numérique (entreprise de consultation en technologies numériques), il se fera un plaisir de vous apprendre qu’il y a eu « des poussées très ponctuelles d’engouement pour cette technologie dans les années 1930, 1950 et 1980. » Ainsi donc, la prochaine fois que vous voudrez briller en société, ne parlez pas d’Avatar comme d’un début, mais bien comme d’une continuation ou d’une popularisation. Souvenez-vous, on a aussi eu droit aux petites lunettes anaglyphes, barniques cartonnées rouge et bleu. Pensons aussi aux films Imax, grandioses grâce au jaillissement de l’action, extirpant ces belles images de leur écran-prison. Est pourtant venu un moment où l’on a fini par s’écœurer du film de Bob l’Éponge repassé ad nauseam à La Ronde. Au lieu de changer de cassette, ils ont fait un deuxième dôme Nintendo. Mais ça, c’est une autre histoire.

A-3D

Pourquoi ces trois booms de 3D n’ont pas tout de suite donné lieu à un âge d’or? Considérations techniques, nous répond le spécialiste René Villeneuve. « Les technologies n’étaient pas au point. C’est le raffinement technologique qui permet les résultats acceptables que nous obtenons aujourd’hui. » Mais il n’y a pas que ça qui a empêché l’essor de la stéréoscopie 3D. Le problème est aussi oculaire, puisqu’« environ 10 % de la population n’arrive pas à décoder la 3D. » Quelqu’un qui louche, par exemple, n’aura pas la capacité de superposer les images produites par les caméras pour n’en former qu’une seule. Comme l’effet de 3D est produit en projetant deux images rapidement et en alternance, il est aussi possible que le cerveau de certaines personnes ne puisse arriver à produire le processus de convergence nécessaire à son émergence.

Dernier obstacle à l’avènement d’un cinéma en trois dimensions : la distribution. Il était extrêmement difficile de produire et de présenter des œuvres 3D avant l’apparition des technologies numériques. Ce n’est désormais plus un problème puisque la majorité des cinémas grand public se sont dotés de ce genre d’équipement, vous refilant au passage la facture en augmentant le coût des entrées.

Dans le prochain texte, nous poursuivrons notre incursion dans le monde de la 3D en nous intéressant à deux initiatives 3D à vingt mille lieues des remakes à cinq cents du Guzzo près de chez vous.

[1]    « Technique permettant d’obtenir une impression de relief, au moyen de deux images d’un objet. » Le Robert illustré, 2012.

Thomas Dupont-Buist Jadis sous les projecteurs, il lui aura fallu un certain temps pour se rendre compte que l’on était finalement bien mieux parmi le public, à regarder le talent s’épanouir. Un chantre des arts de la scène qui aime se dire que la vie ne prend tout son sens que lorsqu’elle a été écrite.

Soyez artiste : allez en paix

Chroniques

28 mars 2013

par Artichaut magazine

Comment pousser quelqu’un à porter plainte à la Sûreté du Québec pour intimidation et justifier sa démarche?

Comment produire du matériel pornographique juvénile, le diffuser publiquement, et voir cette entreprise valorisée?

Comment mettre en ligne une scène de décapitation et de nécrophagie en toute légalité?

C’est simple, soyez artiste.

Anik

Au premier abord, la récente campagne de publicité d’Anik Jean, parait plutôt inoffensive. Je fais référence à l’envoi de lettres de menaces à des journalistes pour créer un buzz autour du lancement du nouvel album de la chanteuse. Invitée à justifier sa méthode promotionnelle sur LE plateau télé du dimanche soir, les propos d’Anik retiennent mon attention. Mise en contexte : l’animateur présente un extrait mettant en vedette un autre invité du dimanche, le comédien Yan England, saisissant un homme à la gorge, lui criant au visage, postillonnant au passage, bref, menaçant autrui. L’animateur souligne le succès notoire du comédien auprès des jeunes (le pouvoir de VRAK!) de même que sa participation à des téléséries destinées à un public adulte, comme en témoigne l’extrait. Il questionne alors ironiquement le comédien sur sa responsabilité comme exemple potentiel pour ses jeunes fans. C’est alors qu’Anik intervient pour nous faire part de sa propre conclusion :

« Y’a le droit, c’est de l’art! »

Entendre une réponse aussi simple à une question au potentiel éthique aussi complexe me rend jalouse. C’est à ce moment-là que je rêve d’être restée à Los Angeles (j’y étais de passage en 2011) pour vivre ma jeunesse et laisser les questionnements éthiques aux autres, à ceux que ça dérange.

Mais voilà, c’est moi que ça dérange. Parce que je ne crois pas que tout est permis du moment où ça se fait sous le couvert de l’art.

Admirable ou illégal?

Prenons l’exemple de l’œuvre du photographe Larry Clark, présenté en 2011 au Musée d’art moderne de la Ville de Paris. Ses photographies de mineurs nus enlacés auraient été une attraction majeure de la programmation cette année-là. Dans son essai La Sexualité Spectacle, Michel Dorais questionne le statut des images de l’exposition : «Quand une photographie de sujets manifestement mineurs, nus et faisant l’amour, cesse t-elle d’être jugée (pédo)pornographique pour accéder au rang d’œuvre artistique, digne de l’admiration publique?»[1] L’art — mis en marché par notre société de consommation — semble effectivement avoir une propension à repousser les limites de l’acceptable socialement, et parfois même légalement.

La véracité et l’intention

imgresEn décembre passé, un Québécois surnommé le maquilleur de l’horreur faisait face à trois chefs d’accusation pour corruption de mœurs : production, possession et diffusion de matériel obscène sur Internet. Le jury l’acquitte. Une de ses avocates souligne à la presse : «Je pense qu’on a droit d’avoir une opinion en faveur ou en défaveur de la chose, mais ici, c’était un procès criminel»[2]. Distinction importante en effet… Mais outre les droits et les devoirs légaux du citoyen, l’artiste n’a-t-il pas d’autres responsabilités?

Le maquilleur de l’horreur avait été arrêté en 2009 pour ses mises en scène sordides. À peine trois ans plus tard, le parallèle entre les images portées à l’écran par ce dernier et celles discutées actuellement en cour dans le cas Magnotta soulève à mes yeux de nouvelles pistes de justification pour légitimer une entreprise artistique:

1- La véracité : Des images d’une violence profonde font art dès lors qu’il s’agit d’une mise en scène, donc d’une «fausse» situation.

Mais à qui revient l’autorité de distinguer le vrai du faux?

2- L’intention : L’intention artistique légitimerait les productions, peu importe leur contenu.

D’abord, il serait naïf de croire que l’artiste lui-même connaît le fin fond de son intention. Mais je m’engage ici dans un discours psychanalytique que je ne suis pas prête de maîtriser, alors j’arrête. Ensuite, c’est bien connu, l’enfer est pavé de bonnes intentions. Et finalement, considérer l’intention comme critère, c’est s’en tenir à la subjectivité individuelle : impasse sociale assurée !

Nouveaux possibles

Je crois que l’art commande le désir de dépasser les limites, de bousculer les convenances et d’inventer de nouveaux possibles. Pour ce faire, la provocation m’apparaît avoir la cote depuis un certain temps dans notre société. Mais la légendaire formule violence & sexe provoque-t-elle encore quelqu’un? Personnellement, j’en suis lasse, agacée et, parfois, dans un élan de vigueur, exaspérée. Mais de toutes ces réactions, aucune ne m’intéresse, aucune ne crée une nouvelle expérience.  Et comme la provocation semble être LA nouvelle façon de faire, ne vaudrait-il pas mieux chercher d’autres avenues pour dépasser les limites et inventer de nouveaux possibles?

Partage

Chercher à faire réagir tient peut-être à l’impératif de partage, propre à l’humain exacerbé par l’art. Pour partager sa vision, l’artiste a besoin d’un public. Ce public agirait-il comme un moteur puissant poussant parfois à créer sans balises éthiques? Comme si le marketing d’un projet artistique ne saurait jamais être oublié, même lors de sa création?

Bref

C’est à croire que l’éthique professionnelle en art relève directement et entièrement de l’éthique personnelle du créateur. En ce sens, l’art échappe à la professionnalisation. Ce qui m’amène à vous demander : est-ce une profession que d’être artiste?

[1] Dorais, M. (2012). La sexualité spectacle. vlb éditeur : Montréal

[2] http://www.radio-canada.ca/regions/Montreal/2012/12/21/003-remy-couture-jury-deliberations-proces.shtml

Article par Jade Marquis – Ado émue par la culture pop des années 2000, Jade est devenue une intello de la danse. Au-delà du rouage des discours et des présentations dîtes artistiques, elle s’intéresse au contenu véhiculé.

Artichaut magazine — LE MAGAZINE DES ÉTUDIANT·E·S EN ART DE L'UQAM

Programmation éclatée pour la 15e édition du Festival Metropolis bleu

Critiques Littérature

27 mars 2013

par Artichaut magazine

Discussions, enjeux sociaux, tables rondes et… mimosas! Voilà qui donne le ton à la programmation de la 15e édition du Festival Metropolis bleu. Du 22 au 28 avril prochain, le festival littéraire international accueillera les noms des plus grands auteurs du globe et du Canada. Pour souligner leurs 15 ans, les organisateurs ont l’esprit à la fête et une gamme d’évènements originaux aura lieu pour souligner l’épiphénomène.

« Le festival permet une rencontre non mitigée entre les auteurs de différentes nations », lançait le président du conseil d’administration de Metropolis bleu, Cameron Charlebois à la conférence de presse du 26 mars. En effet, l’organisme a pour mission de réunir les gens de diverses langues et cultures autour du plaisir de lire et d’écrire. Le but est d’enrayer les barrières, car malgré une langue propre à chaque culture, les propos des récits restent sensiblement les mêmes. Et c’est ce qui importe.

Pour l’occasion, Montréal sera l’hôtesse d’une brochette assez impressionnante d’auteurs de renom. Couvrant une très large panoplie de thèmes et de sujets à débats, le festival s’oriente néanmoins vers quatre grands axes directeurs.

Les lecteurs aguerris fervents des mots du Sud seront servis avec les Récits d’Afrique. L’animatrice de l’émission à la Première chaîne de Radio-Canada Plus on est de fous, plus on lit, Marie-Louise Arsenault, nous propose d’ailleurs une entrevue avec Alain Mabanckou sur la signification d’un auteur africain à la réputation internationale. Plus près de notre continent, la question des écrivains qui se réfugient dans l’écriture pour contrer les maux de l’âme est récurrente. Nelly Arcan en était justement un exemple probant. Le deuxième axe concerne le parallèle à faire entre la santé mentale et la littérature. En partenariat avec l’Institut Douglas, le Metropolis bleu vise à briser les préjugés par divers ateliers qui à leur tour lèvent le voile sur la maladie mentale. Pour les adeptes de débats d’idées, c’est dans les évènements regroupés sous le thème « Idées et société » que vous vous trouverez. Enfin, le dernier axe auquel les lecteurs sont conviés concerne la littérature gaie et lesbienne. Les étiquettes collent inévitablement à la peau de certains auteurs. Celle « d’écrivain gai », par contre,  n’a peut-être plus sa place aujourd’hui. Le festival soulève cette problématique entre autres avec Edmund White, véritable figure emblématique de la littérature gaie. Catherine Mavrikakis (Le ciel de Bay City) nous convie à un tête-à-tête avec White le vendredi 26 avril à 19 h.

Dans un esprit plus ludique, le festival a décidé de fêter en grand ses 15 bougies par une rencontre des plus coquines. Intitulé  Le fruit défendu , l’événement-bénéfice prendra la forme d’une dégustation de chocolats fins et de cidres de glace dans une atmosphère de boudoir. Des acteurs professionnels liront des passages des meilleures friponneries de la littérature érotique. Une expérience pour les plus libertins…

Comme chaque année, la Fondation Metropolis bleu décerne des prix (accompagnés de généreuses bourses) pour honorer des écrivains étrangers et canadiens. Ainsi, le Grand Prix sera remis à l’Irlandais Colm Tóibín, notamment reconnu pour son roman The Master. La remise du prix se déroulera à la Grande Bibliothèque le jeudi 25 avril à 18h30.

Avec un Festival pour enfants imbriqué à celui pour « adultes », le Festival Metropolis bleu a une programmation qui plaira aux plus jeunes et aux moins jeunes, aux anglos et aux francos, aux gais et aux lesbiennes. Alouette! Alors qu’un débat linguistique sévit dans la plus grande bêtise, une rencontre à teneur internationale, où les mots du monde côtoient les styles de chacun, applique un baume sur les vilaines discordes. Maintenant, place aux livres. Libres. Tout court et sans filtre.

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Festival Metropolis bleu, du 22 au 28 avril 2013.

Article par Ariane Thibault-Vanasse – L’hiver est sa page blanche / L’encre sèche, repaire tranquille / Ne tuera pas l’écrivaine.

Artichaut magazine — LE MAGAZINE DES ÉTUDIANT·E·S EN ART DE L'UQAM

Le cinéma au féminin : dans la tête des étudiants

Cinéma Entrevues Le cinéma au féminin UQAM

26 mars 2013

par Artichaut magazine

Alors que l’on s’attarde surtout aux chiffres quant à l’avenir de notre cinéma, il existe des problématiques plus consternantes, mais dont les médias semblent faire fi. Il y a un manque flagrant de femmes réalisatrices derrière la caméra ce qui entraîne inévitablement une absence de personnages féminins à l’écran comme a démontré l’étude de la sociologue Anna Lupien. La suite de ce dossier sur le cinéma au féminin repose sur la vision du milieu de la réalisation par ceux qui y participeront bientôt, c’est-à-dire, les étudiants.

Audrey Chevrier et Matthew Wolkow, qui étudient en cinéma à l’UQAM, ont chacun un pied dans le monde de la réalisation. Deux jeunes créateurs, deux perceptions du cinéma et du rôle que jouent les femmes dans le milieu. « Oui, il y a une forte impression que les portes sont davantage fermées pour les femmes, et ce, surtout quand les films joués sont chapeautés par le nom de réalisateurs. Néanmoins, c’est moins pire qu’avant », lance Audrey Chevrier avec une pointe d’optimisme. L’étudiante du profil réalisation baigne dans l’univers cinématographique depuis longtemps. Malgré qu’elle ne sait pas encore si elle sera réalisatrice plus tard, tout ce qui touche la création la fascine. Ce qui ne l’empêche pas d’observer le sort réservé aux femmes dans l’industrie. « D’abord, pour moi, l’inquiétude face à l’avenir dans le domaine du cinéma n’est pas de prime abord liée au statut de la femme, mais plus à la situation générale du cinéma au Québec», observe-t-elle.

Matthew Wolkow a quant à lui réalisé et scénarisé quelques courts-métrages. Préférant parfaire une formation en direction photo, le jeune réalisateur croit qu’il existe une différence positive entre les femmes réalisatrices et les hommes. « La différence se situerait au niveau des personnages, commente Matthew, alors on remarque que ce sont des personnages féminins qui sont les têtes d’affiche de films comme ceux d’Anaïs Barbeau-Lavalette ou d’Anne Émond. En terme de qualité, les films réalisés par des femmes sont tout aussi bons que ceux de leurs confrères et souvent même meilleurs! »

L’étude de la sociologue Anna Lupien portait en particulier sur la représentation des personnages féminins à l’écran selon le sexe de celui ou celle qui les met en scène. Elle a relevé que les réalisateurs accordent le premier rôle à des hommes dans la plupart des cas. Alors que les femmes font de même, le bât blesse dans la mesure où la majorité des films produits au Québec sont réalisés par des hommes (80 % en 2011), la majorité des héros présentés au cinéma sont donc des hommes.

Matthew n’échappe pas à la règle. Ses deux courts-métrages représentaient une proportion de 20 % de personnages féminins pour 80 % de personnages masculins. Ce qui est normal puisqu’il conçoit des protagonistes qui sont près de lui, de sa réalité. « Dans mon cas, je trouve mon casting avant d’écrire mes scénarios. Comme la majorité de mes amis qui voulaient embarquer dans mes projets étaient des hommes, ce sont donc eux que j’ai choisis », explique-t-il. Audrey vient par ailleurs changer la donne. « Je dois admettre qu’il y a souvent peu de personnages féminins dans mes textes. Lorsqu’il y en a, ce sont rarement les personnages principaux et elles sont souvent désabusées, voire désincarnées, ou extrêmement autoritaires et effacées. Toutefois, mes personnages masculins sont aussi toujours un peu obsédés, hypocondriaques ou blasés. Je pense que j’écris, en général, sur des personnages qui “ne rentrent pas dans le cadre”, qui ne sont pas bien ou qui ne rendent pas les gens autour d’eux bien. D’ailleurs, il est souvent question de difficulté de communication et de compréhension entre les deux sexes », décrit-elle.

Ses personnages demeurent quand même loin de l’idée que l’on se fait de ceux représentés dans les films de réalisateurs. « Les films commerciaux réalisés par des hommes évoquent les valeurs associées à la publicité et aux médias de masse, observe Matthew, on voit clairement la machine à marketing dans les films plus commerciaux réalisés par des hommes. Autant le personnage principal peut être laid comme un rat, celui incarné par une femme correspondra aux critères de beauté. C’est une règle non écrite! »

Les réalisatrices sur les bancs d’école

Il n’y a qu’une trentaine d’étudiants au baccalauréat en cinéma à l’UQAM. En deuxième année, ils doivent choisir entre une spécialisation en montage, en direction photo et, bien entendu, en réalisation. Dans la cohorte d’Audrey et Matthew, il y a quatre filles sur dix en réalisation. « J’ai l’impression qu’il existe tout de même une idée vaguement inconsciente selon laquelle la réalisation est davantage réservée aux hommes. Je ne veux pas dire par là que les filles se dirigent plus en montage pour cette raison, mais seulement que la réalité ressort en terme de chiffres », précise Audrey qui pense également que le nombre inférieur de filles en réalisation ne proviendrait pas d’un manque d’intérêt, mais d’un manque de modèle. « Quand je pense aux gens de ma cohorte, je me dis que c’est d’abord une question d’intérêt, mais je me demande si le fait de ne voir pratiquement que des réalisateurs au cinéma américain par exemple n’influencerait pas un peu la vision des gens en général.»

En tant que cinéphile aguerri, Matthew se désole du manque de femmes au cinéma. « Plus de femmes réalisatrices apporterait une vision différente de la société. On se prive littéralement de ce que les femmes ont à dire, déplore-t-il. Leurs œuvres sont toujours intéressantes et très innovatrices. » En termes de film innovateur, nous n’avons qu’à penser au film Nuit #1 (2011) d’Anne Émond qui a apporté un vent nouveau dans le cinéma québécois en plus de crouler sous les prix et les critiques élogieuses. «C’est dommage qu’il n’y ait pas plus de femmes en fiction, mais comme les portes se ferment c’est normal qu’elles se tournent vers le documentaire», enrichit Matthew. Pour l’étudiant, un manque de confiance du milieu à l’égard des femmes ferait en sorte qu’elles soient plus intimidées par le monde de la fiction que celui du documentaire.

Nuit #1, Réal : Anne Émond

Nuit #1, Réal : Anne Émond

Rêvant de longs-métrages de fiction, les étudiantes en réalisation risquent d’être déçues une fois dans la cours des grands. Le prochain texte de ce dossier sur le cinéma au féminin portera sur des femmes réalisatrices qui sont parvenues à s’affranchir du court-métrage et à être à la barre de plus gros projets. La pénurie de femmes réalisatrices résiderait en un manque de soumission de projets de ces dernières. Ainsi, une incursion dans le milieu de la production éclairera cette problématique.

Article par Ariane Thibault-Vanasse – L’hiver est sa page blanche / L’encre sèche, repaire tranquille / Ne tuera pas l’écrivaine.

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Vaudeville hypnotique

Critiques Théâtre

25 mars 2013

par Thomas Dupont-Buist

L’hypnose ne fait généralement pas partie de mes centres d’intérêt. Il me semble également qu’on en parle peu, que ce soit dans les médias, les arts ou la vie. Comme pour contredire cette idée, je suis récemment tombé sur deux œuvres qui en traitaient de façon complètement distincte.

D’abord, je me suis attaqué à Drood, la gigantesque brique de l’auteur américain Dan Simmons. Dans cet excellent suspense victorien, relaté par l’un des précurseurs du roman policier moderne (et opiomane invétéré), Wilkie Collins, on réalise rapidement la popularité dont jouissait le mesmérisme (ancêtre de l’hypnose) au XIXe siècle. D’autant plus que dans ce roman, il est pratiqué par nul autre que Charles Dickens, dit l’Inimitable. Se jouant des genres, cette fiction nous entraîne dans le Londres victorien et ses dessous plus sombres et mystérieux, imaginés par Simmons, ce maître de la science-fiction. Toujours est-il que l’on y manipule des esprits, allant jusqu’à confondre le lecteur quant à la crédibilité du narrateur.

Hypno (Crédit photo Marie-Andrée Lemire)

Hypno (Crédit photo Marie-Andrée Lemire)

C’est un peu le même phénomène qui se produit dans la pièce Hypno de Simon Boudreault, présentement montée à la salle intime du théâtre Prospéro par la jeune compagnie Tsunami. Le personnage principal, dont le nom d’artiste est Le Prince, possède la faculté d’hypnotiser n’importe qui. Il s’en sert bien sûr pour gagner sa vie, en donnant de grands spectacles très courus. Cependant, il n’emploie pas ce don qu’à des fins de divertissement, comme on le découvre peu à peu tout au long de la pièce. Oscillant entre drame et comédie, Hypno, questionne le libre arbitre des proches du Prince. À quel point sont-ils réellement responsables de leurs actes, des décisions qu’ils ont prises? Le spectateur, lui-même captif du récit du prestigitateur, ne perçoit que les parcelles de vérité que veut bien lui dévoiler celui-ci.

Hypno (Crédit photo Marie-Andrée Lemire)

Hypno (Crédit photo Marie-Andrée Lemire)

Ainsi, la trame narrative du spectacle se retrouve fragmentée, faisant alterner les bribes du numéro du Prince avec des moments de sa vie sans s’attarder à la chronologie. Le jour où Victor Lalancette, un étrange personnage gesticulant avec effusion, se présente chez Le Prince et sa femme Sandrine, leur petit quotidien s’en trouve entièrement dérangé. Sandrine se met à se demander si son mari l’a déjà hypnotisée, s’il se peut qu’elle soit en permanence sous son contrôle. Le Prince dément, mais quelque chose s’est déjà brisé. En fait, quelque chose était déjà brisé depuis bien longtemps. Pourquoi Victor Lalancette est-il amoureux d’un mannequin? Qui est donc Rogère Blouin, cette laideronne qui se croît femme fatale?

Hypno (Crédit photo Marie-Andrée Lemire)

Hypno (Crédit photo Marie-Andrée Lemire)

Construit à la manière d’un suspense, Hypno arrive à captiver malgré tous les défauts qui le minent. Dans une mise en scène parfaitement banale et hésitante de Luc Bouffard, les quatre comédiens n’arrivent pas à établir les démarcations nécessaires au double registre de jeu. Oscillant sans cesse entre le burlesque et le drame, ils paraissent rapidement dépourvus de repère au milieu d’un décor composé de divans et de paravents. Martin Tremblay, dans le rôle du Prince, surprend toutefois par sa justesse. Étrangement, il est le seul à avoir appris le texte, échafaudé son personnage et appris ses déplacements à dix jours de la première, en remplacement d’un autre comédien. On ne peut que s’incliner devant un tel travail. Martin Grenier (Victor Lalancette) arrive aussi à se hisser au-dessus de la production par un jeu de pantomime efficace. Malheureusement, ça se gâche du côté des filles, Geneviève Beauchemin (Sandrine) et Marie-Hélène Gosselin qui surjouent presque en permanence.

Hypno (Crédit photo Marie-Andrée Lemire)

Hypno (Crédit photo Marie-Andrée Lemire)

Il faut également dire que le texte de Boudreault n’en fait pas beaucoup pour s’éloigner du vaudeville, n’exploitant que très peu la richesse de la thématique choisie et soulignant très grassement les réflexions que le spectateur devrait avoir. Sans être déplaisante, suscitant quelquefois le rire, Hypno n’arrive toutefois pas à occuper l’esprit de façon consistante. Surtout quand on se dit qu’une bonne grosse brique nous attend à la maison et que, jusqu’aux petites heures, elle nous tiendra aussi captifs que le plus talentueux des hypnotiseurs.

**

Hypno de Simon Boudreault du 19 mars au 6 avril à la salle intime du Théâtre Prospero. M.E.S. Luc Bouffard.

Thomas Dupont-Buist Jadis sous les projecteurs, il lui aura fallu un certain temps pour se rendre compte que l’on était finalement bien mieux parmi le public, à regarder le talent s’épanouir. Un chantre des arts de la scène qui aime se dire que la vie ne prend tout son sens que lorsqu’elle a été écrite.

Mais le souffle continuera de bruire au cœur de la forêt. Une lecture de Chien de fusil d’Alexie Morin

Critiques Littérature UQAM

24 mars 2013

par Artichaut magazine

Dimanche après-midi, le soleil de mars au-dessus de l’épaule, à travers la fenêtre. Un soleil encore dur, à cause de la neige. Le printemps qui n’arrive pas. Envie de lire un peu de poésie. Envie de lire Alexie Morin, son recueil qui vient de paraître au Quartanier. Envie de découvrir ce qui se trame sous cette couverture à la couleur inouïe, aussi attirante que son titre : Chien de fusil.

D’abord ça se lit vite. L’autre couvert, je l’ai rejoint avant même que le soleil ne faiblisse. Faut dire qu’on a avancé l’heure. Mais après, ça se lit plus lentement, pendant que la lumière glisse, devient oblique, jusqu’à plisser les yeux pour relire la même page, une deuxième, une troisième fois, parce que c’est beau, parce que ça ne dit pas tout, mais que ça dit toujours plus :

Un chat est entré tout blanc avec un mulot, Vincent cligne des yeux, frissonne, pense à elle, le chat dépose le mulot sous la chaise, il regrette, ç’aurait été beau devenir un squelette, phalanges, phalangines enroulées autour de la tasse avec la forêt dedans.

Dans Chien de fusil, on est immergés dans la forêt, hors des sentiers battus, on suit les sillons d’eau fraîche des ruisseaux, on chasse au collet, l’odeur de mort.

la terre se draine
de moi je pars
entre les pierres
il reste des os

Mi en prose mi en vers, la poésie de Morin se donne d’abord comme un souffle, parfois long, parfois court, haletant ou prolongé, un souffle qui se trouve mis en scène dans le texte, et qui cherche et donne à vivre en respirant un peu plus la mort à chaque bouffée : « […] je peux retenir mon souffle deux minutes et alors je crois me rappeler comment faire pour devenir invisible, pour de bon. » La volonté de s’effacer traverse le texte, donne le ton à chaque page ; fuir pour contempler, embrasser pleinement le nature, la forêt dense ou tout naît et meurt, disparaître en elle pour de bon, car il devient « […] trop honteux de se tenir là, encore si énorme et si voyante. » « J’espère m’effacer, devenir grise, un galet dans la terre. »

Alexie Morin, Chien de fusil

Une figure ténébreuse rassemble en elle ce désir paradoxal, le désir ardent de la vie qui fait souhaiter de la mort les aspects les plus beaux : le silence, l’immobilité, la douceur de l’achèvement. Vincent est un arbre, une rivière, une roche ; il est dévoré par la forêt comme la maison qu’il a fait sienne – « Ils l’ont quittée parce qu’elle n’était plus habitable, et maintenant les branches l’enserrent jusqu’aux fenêtres, les feuilles entrent par les carreaux brisés et meurent par manque de lumière – des raisons pour l’aimer et s’enfuir ». On aimera Vincent aux orbites de feu, avec qui l’on convole, recouvrant « le ciel d’amour et de mort ». Mais à l’instar de cette maison fuie parce que devenue inhabitable, il faudra le délaisser :

Ça cesse comme ça a commencé. Je supporte un autre jour avec toi, mais je n’y arriverai plus très longtemps, on ne peut rester si près d’une telle magie sans se laisser contaminer, ça fait trop peur et je ne veux pas mourir. 

* * *

La manière dont j’ai voulu partager cette poésie ne lui rend pas justice, je suis le premier à le reconnaître. De manière sans doute trop narrative, j’ai voulu tracer à grands traits les mouvements qui habitent le texte de Morin. Mais il y a bien plus dans son écriture que ce qui peut être raconté, et toute explication rationnelle se heurtera au propre de l’écriture poétique réussie, l’ineffable souffle qui anime les mots.

[…] et je me demande si ça sort de lui ou bien si ça le traverse, si je verrais la même chose en me regardant dans le miroir, un rayon, une flamme qui voyage, s’ouvre un chemin jusqu’à l’eau, plonge, s’il verrait, lui, la même chose dans le miroir, ou bien si c’est seulement moi, si c’est moi la sorcière, la plus puissante, avec la meilleure vue, sans bouche sauf celle des fantômes et des animaux morts.

J’ai refermé le livre à présent, le soleil s’est glissé doucement derrière la corniche de l’immeuble de l’autre côté de la rue, ne m’offrant plus qu’une lumière diffuse, grisâtre, un peu maladive, mais persistant néanmoins. Je me questionne sur la vie à l’origine du texte ainsi que celles à qui l’on doit d’autres textes récents qui paraissent chercher à rejoindre, à l’extérieur de la ville, une part manquante et nécessaire à l’expression d’une intériorité qui ne tient ni au béton ni au verre, qui n’exsude pas de l’asphalte et que l’acier ne peut réfléchir. Une tendance que je crois reconnaître chez plusieurs écrivains contemporains montréalais m’amène à proposer une hypothèse : sommes-nous en présence d’une nouvelle forme de littérature de l’exil ?

——
Alexie Morin, Chien de fusil, Montréal, Le Quartanier, 2013, 65 p.

Article par Simon Levesque. Tigres de papier & autres créatures sibyllines occupent son esprit amusé par l’objet inexistant.

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Le théâtre du platonisme

Critiques Littérature

21 mars 2013

par Artichaut magazine

Avait lieu il y a deux semaines une soirée de lancement chez Le Quartanier. La maison d’édition présentait ses huit nouveaux titres dont De très loin de Franz Schürch. L’auteur, qui signe sa première œuvre de fiction, nous entraîne dans un récit étrange. Deux hommes, Celui qui s’inquiète et Celui qui disparaît, discutent sur un banc. Pour s’aider à comprendre le monde et la vie, ils se racontent des histoires dans la même lignée qu’une dialectique socratique.

Nous sommes habitués avec Le Quartanier à des histoires anecdotiques, des joutes de style contemporaines, des emprunts littéraires appartenant aux genres les plus excentriques et avant-gardistes de l’histoire. De très loin est un autre exemple de cette mixité. S’appropriant la forme d’une pièce de théâtre (nom des personnages suivi plus bas par leur réplique), Franz Schürch s’interroge sur notre condamnation à l’insatisfaction sur la Terre. Clairsemé de petits poèmes, le récit est une argumentation entre Celui qui s’inquiète et Celui qui disparaît.

En cela, le livre rappelle la pièce En attendant Godot de Samuel Beckett. Deux hommes qui se parlent inlassablement comme la valse d’un éternel discours, dans l’attente d’un catalyseur qui n’arrivera jamais. À la différence des clochards Vladimir et Estragon, Celui qui s’inquiète et Celui qui disparaît se donnent eux-mêmes rendez-vous sur le même banc de parc et observe le quotidien qui se déroule devant eux en débattant sur des sujets qui ne méritent pas de réponses. Leurs réflexions platoniques prennent naissance dans des petites histoires qu’ils se racontent et qui rappellent des paraboles.

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Malgré une forme qui surprend, le récit laisse de glace. Les personnages sont froids et manque de profondeur. Le lecteur assiste à un cirque sans maître de cérémonie et les acrobates tournent en rond. Les histoires en aparté rajoutent néanmoins une dimension un peu plus substantielle, même si elles n’arrivent pas tout à fait à tenir le lecteur en haleine. Elles s’enchainent comme des numéros de cabaret, avec des personnages qui se définissent par leur statut social. Par contre, le sentiment de malaise vécu en lisant ces intermèdes est intéressant. On ne saurait expliquer cet état teinté d’appréhension et de doute qui est suscité à leur lecture. À la fois mystiques et rationnelles, elles font preuve de beaucoup de mystère et la charge onirique qui s’en dégage est indéniable. L’épisode dans un restaurant où un homme s’offre avec tout l’argent qu’il possède un repas hallucinant est particulier et est un des moments forts du roman. Il décortique chaque bouchée avec la passion d’un épicurien à l’obsession pathologique. Cet extrait nous empreigne d’une tout autre atmosphère et vient rompre le monochrome du livre.

Alors que l’on pourrait penser le roman condamner à un platonisme, miroir de la discussion des personnages, la conclusion sauve l’honneur de De très loin.

Je ne suis pas l’homme indifférent
Je ne suis pas l’homme incapable
Je ne suis pas l’homme sans nom

Ce court poème éveille la conscience du lecteur, comme si ce dernier sortait d’un rêve lynchien. Le rideau se lève laissant s’évader tous les questionnements prisonniers de nos encéphales pour de minces éclaircissements. C’est donc ça la vie au bout du compte! Vivre des choses sans jamais les ressentir vraiment. Être témoin de son passage sur terre sans y prendre réellement part. Ainsi Franz Schürch termine-t-il le dernier acte de sa mascarade; en un subtil élan pour une révolution qui nous ferait tendre vers le mieux-vivre.

———
De très loin, Franz Schürch, Montréal, Le Quartanier, 2013, 206 pages.

Article par Ariane Thibault-Vanasse – L’hiver est sa page blanche / L’encre sèche, repaire tranquille / Ne tuera pas l’écrivaine.

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La Traversée des Suppliciés

Arts visuels Cinéma Critiques

19 mars 2013

par Artichaut magazine

C’est dans le cadre de la 31e édition du Festival International du Film sur l’Art (FIFA) qu’est présentée la dernière œuvre d’Olivier Besse : La Crucifixion, le scandale sacré. Le réalisateur nous convie à découvrir les évolutions de la représentation artistique du supplice de Jésus-Christ sur la Croix, des premières icônes apparues dans le Bassin Méditerranéen au Haut Moyen Âge jusqu’à ses figures les plus actuelles et démesurées, avec le Piss Christ de l’artiste américain Andres Serrano comme fil d’Ariane, boussole et également emblème de l’art reçu à la table chrétienne. Mais reçu en invité ou en intrus?

Né dans le Périgord, région riche en édifices religieux, Olivier Besse s’engage dans une carrière de réalisateur et de documentariste, suivant peut-être en cela et sans le savoir les vœux de sa mère de prendre la voie de l’Église : du sacerdoce du curé à celui de l’artiste, il n’y a sans doute qu’un pas, à hauteur du signe à tenter de déchiffrer pour soi et le monde. Ce n’est donc pas pour rien qu’il s’intéresse de longue date au devenir de la culture catholique dans nos sociétés, notamment avec ses films Duchamp chez les cathos (2008) et Baptêmes d’adultes (2010).

Mais venons-en à l’événement frappant pour Olivier Besse comme pour le spectateur : en avril 2011 à Avignon, le Piss Christ, photo figurant un crucifix plongé dans un bol rempli d’urine et de sang et baignant littéralement dans la lumière, est vandalisé à l’occasion des manifestations organisées par le groupuscule religieux intégriste Civitas (dont on a encore tristement entendu parler en France lors des protestations contre le mariage des homosexuels). La querelle sur la question du sacrilège sera le point de départ de la démarche, personnelle mais fort juste, d’Olivier Besse qui entend interroger les représentations de cet instant souverain du Dieu incarné et torturé sur la Croix. Muni d’une photo du Piss Christ, il promène sa caméra à travers les époques et le monde, passant de New York à Gap, Rome, Florence ou Londres pour s’entretenir avec les artistes, les ecclésiastiques et les historiens qui se sont penchés sur le sujet.

Bien qu’établi au VIe siècle dans les Évangiles de Rabula, le canon de la Crucifixion subit des transformations et des transfigurations notables au cours des siècles, échos des sensibilités artistiques et du contexte des époques ayant donné naissance à un cortège de représentations. Masaccio, Giotto ou encore Michel-Ange se sont ainsi coltinés à ce sommet de l’art sacré, même si pour ce dernier le choix de clouer entre les deux bras de la Croix un Jésus nu au réel saisissant fut à l’origine de nombreux outrages. D’hier à aujourd’hui, le thème reste aussi sensible et le refus du Vatican de recevoir Besse dans le cadre de son film, au motif que sa démarche est jugée blasphématoire, apporte un éclairage des plus signifiants : perdure encore une parole figeant ce tournant de l’histoire chrétienne dans une seule et même image n’admettant aucun écart. Pourtant, le Dieu s’est fait chair et a éprouvé aux dernières heures de son existence terrestre les pires tourments : comment dès lors faire l’impasse sur la pesanteur insoutenable de fixer un corps massacré qui est aussi le plus haut symbole de l’Église ? À cette horreur sacrée, le peintre Matthias Grënewald apporte la réponse terrible du retable d’Issenheim et de son Christ-carcasse, de ses membres titanesques disloqués et de sa peau noircie de cadavre. Face à cette image de notre perte dans la pourriture, image-limite qui est le corps même du Dieu, aucun salut ne semble envisageable.

Cette tension, le réalisateur la retrouve chez les artistes du XIXe au XXIe siècle. Tout d’abord dans l’œuvre du Belge Félicien Rops, qui le premier transgressa volontairement le code de la Crucifixion dans un de ses tableaux de La Tentation de Saint Antoine (1878), puis Dali, Picasso, Bacon, et plus proches de nous, pour n’en citer qu’une part infime, Jean-Michel Basquiat, Bettina Rheims ou Wim Delvoye, sans oublier les autres champs artistiques avec la scandaleuse, là encore, interprétation cinématographique de la Passion par Martin Scorsese ou, aux antipodes, la parodie géniale des Monty Python : La Vie de Brian. Enfin, pour dévider totalement le fil, est même évoqué le cas de la reine de la pop Madonna qui utilisa à des propres fins d’image le crucifix dégradé.

La crucifixion le scandale sacré

La crucifixion le scandale sacré

Le scandale de la représentation du sacré est assurément au cœur de la réflexion portée par Olivier Besse : en témoignent les deux entretiens menés avec les artistes Paul Flyer et Hermann Nitsch. La Pieta du premier présente un Christ paré de sa couronne d’épines assis sur une chaise de souffrance ou une chaise électrique (c’est au spectateur de trancher), ce qui choqua une partie du public venu découvrir l’installation dans une église de Gap en 2009. L’œuvre nous interroge notamment sur la cruauté toujours actualisée des méthodes de mise à mort ayant cours dans certains pays et réalise une incarnation contemporaine à plus d’un titre. L’édifice religieux qui recueille le cadavre christique ainsi exposé se transmue en quelque sorte en un couloir de la mort et du visible. De son côté, l’actionniste autrichien Hermann Nitsch célèbre depuis plusieurs années avec son Théâtre des Orgies et des Mystères une sanglante liturgie où sont brassées les icônes païennes et chrétiennes : des hommes et des femmes sont exposés sur des croix de bois, transportés plus ou moins nus à travers la campagne et recouverts du sang d’animaux morts éviscérés au-dessus d’eux, voire dans certains cas à même leur peau. Le film a le mérite de revenir avec des extraits vidéo sur la tenue de ces cérémonials qui connurent nombre de détracteurs. À la croisée d’une esthétique monumentale et transgressive, les rituels de Nitsch convoquent la totalité des sens et laissent leurs spectateurs médusés par l’effroi, le dégoût et la fascination.

Goût pour la provocation, interprétation libre d’un archétype de l’imaginaire chrétien, volonté de renouer avec d’autres traditions sacrées et profanes, les pistes sont nombreuses et traduisent toutes un même souci de s’emparer de cet ultime de la représentation. Du sublime au sordide, dans une démarche de trans/défiguration qui n’est que reconfiguration, l’art ne s’impose aucune limite et fait sien un motif qui fut, durant des siècles, un passage obligé pour nombre de peintres et de sculpteurs. À l’heure d’un net recul de la foi catholique en Occident, Olivier Besse nous donne à voir, dans une réalisation impeccable et avec le souci de suivre l’évolution du débat, l’actualité du sacrilège comme pivot de la création. Pour lui, cette quête toute personnelle du sens de la vision du Christ crucifié ne s’apparente pas à une montée du Golgotha, mais plutôt à une patiente promenade à travers un sentier piqueté de croix où, chacun de leur côté, l’art et la religion se toisent et finissent, au bout du chemin, par se rejoindre dans le mystère toujours vivace de l’Image.

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Le film La Crucifixion, le scandale sacré est projeté le mercredi 20 mars à 21h au Centre Phi – Espace B et le samedi 23 mars à 18h30 au MAC.

Article par Martin Hervé. Simoniaque – deale des scalps de saints, des mains sans gloire de voleurs, des lambeaux de peau scripturale où se déchiffrent les mots de Rilke : « Le beau n’est que le commencement du terrible ».

Le site du FIFA : http://www.artfifa.com

Le site d’Olivier Besse avec la présentation de La Crucifixion, le scandale sacré : http://www.olivierbesse.com/la-crucifixion

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L’accouchement inédit de la Femme Jument

Critiques Théâtre

19 mars 2013

par Artichaut magazine

«Vous êtes femmes, vous êtes mères, avec vos défauts, votre gras de ba-bye et votre individualité», me disaient les dix-huit numéros ludiques de la quatrième édition du Cabaret de la Femme Jument (4e édition), organisé par les Cousines Canines (Andrée-Anne Garneau, Catherine De Léan, Véronique Pascal) et le Théâtre Tsunami. Au fil des quatre étapes de l’accouchement – Réchauffement, Latence-Plateau, Travail actif et Poussée – la soirée du 10 mars fut une grandiose célébration de la femme au profit de La Maison Bleue, qui offre des services de périnatalité aux femmes dans des conditions précaires.

Le Cabaret de la Femme Jument

Le Cabaret de la Femme Jument

Véronique Pascal, en entrevue téléphonique, exprimait que le but du Cabaret était de faire naître une réflexion à long terme. La mienne, autour d’identité féminine et de liberté, n’a pu qu’alimenter mes lubies du moment : NON à la vie de couple. NON à ces normes. Les tables pour deux au restaurant. Le statut Facebook. Le baiser avant de partir et le texto avant de dormir.

La recherche de l’être parfait, c’est beau. Le cœur crie à l’amour, le cœur crie à la maternité. Mais parfois la liberté l’emporte et c’est bien comme ça.

Pour plusieurs, comme pour l’héroïne universelle du monologue rythmé de Catherine Dacjzman et son djembé, l’amour adoucit le sentiment d’indépendance. Faire de la place dans son appartement, tout partager dans l’espoir d’enfanter, puis y renoncer : c’est l’histoire de beaucoup de femmes, à entendre les tonnerres d’applaudissements pour Catherine Dacjzman, sous le toit de la Sala Rossa.

Le cabaret s’est révélé être un véritable panorama de la condition féminine, comme l’avait prédit Véronique Pascal. Tant de réalités féminines différentes ne pouvaient que rejoindre toutes les femmes rassemblées dans la salle. Chacune a pu y faire sa sélection de ce qui lui faisait du bien.

Lorsqu’ils n’étaient pas à mourir de rire, les numéros étaient intenses en émotions et intimes. Marylin Perrault, comédienne, y est allée en toute simplicité, racontant l’histoire d’un avortement, à travers celle d’une petite croix blanche au milieu d’un champ, appuyée d’affiches où on pouvait lire les dates des évènements marquants pour les droits des femmes. Nancy Huston, accompagnée de Jennifer Alleyn, a lu un extrait de son dernier roman, sur le thème de la prostitution des femmes enceintes. Des sujets sensibles, magnifiquement livrés.

«L’idée de la maternité est le fil conducteur du spectacle, pour rassembler les numéros», expliquait Véronique Pascal, aussi animatrice de la soirée, avec Marie-Christine Pilotte et… Catherine De Léan, en vidéo seulement. « On voulait vivre virtuellement les derniers jours de la grossesse de Catherine. Et puis, finalement, elle a accouché le 1er mars. Elle était due le 8 mars, c’est drôle !», racontait Véronique Pascal, en faisant allusion à la journée de la femme.

Mais je dois avouer que mon grand coup de cœur va à un homme. Jonathan Morier, avec son numéro Contre le Happy Incest, est passé des paroles crues à la dérision, en lisant les lettres aux futurs enfants qu’il aimerait rencontrer si la réglementation appliquée aux donneurs de sperme le permet un jour. Chanter What is Love?, en remplaçant le mot Love par God, après avoir décrit rudement mais justement la réalité des amérindiens, était audacieux, personnel et étonnamment pertinent. L’effet de surprise était réussi.

Valérie Blais est montée sur scène pour partager avec humour et simplicité son expérience de mère de plus en plus près de la ménopause, et Les Gourmandes ont unit leur quatre voix a cappella pour nous faire valser sur notre chaise, au rythme de paroles jeunes et touchantes. Tant de numéros qui disaient : «Au diable les stéréotypes. Allez-y, les filles, devenez des modèles pour les générations à venir.»

La comédienne d’Amérique, film de Christine Chevarie, a aussi conquis le public de femmes artistes, majoritaires dans la salle. Les conditions de travail des femmes, les rôles qu’elles ont au cinéma, l’image qu’elles renvoient dans certaines productions sont des aspects qui touchent aussi les consommateurs de produits culturels québécois, dans la mesure où ces produits sont à la fois des modèles pour eux et des reflets de notre société.

«On aime bien la qualité underground du Cabaret, admettait Véronique Pascal. On peut y faire des choses inédites. » En effet, le public restreint et la ponctualité de l’évènement ont fait naître des petits bijoux de numéros, qui auraient perdu de leur valeur intime devant un plus large public. Un peu comme si on disait «Ce qui se passe au Cabaret reste au Cabaret.» Encore l’authenticité et la joie véhiculées par l’évènement n’auraient-elles eu que des effets bénéfiques dans le cœur de bien des femmes. «Y’en a pu un qui pourra dire que les filles sont pas drôles au Québec!», de conclure Marie-Christine Pilotte, devant un public ravi et plus de deux cents femmes, un peu plus épanouies.

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Le Cabaret de la femme jument s’est tenu le 10 mars dernier à la Sala Rossa.

Article par Catherine Paquette.

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