bande dessinée Archives - Artichaut magazine

Dépaysement teinté de rose : une critique de Quelqu’un a débranché la Grosse Pomme de Zovi

Critiques Littérature

01 mars 2023

par Artichaut magazine

Vous souvenez-vous des derniers jours précédant la mise en quarantaine? Je me souviens d’avoir dit « à la semaine prochaine » à mon amie lorsque je l’ai vue pour ce qui, je l’ignorais, allait être la dernière fois avant longtemps. Je me souviens de l’autobus vide malgré l’heure de pointe et de la blague du chauffeur : « J’veux pas dire merci covid, mais… » Phrase qui me revenait en tête chaque fois que le nombre de victimes augmentait. J’avais de la difficulté à décrire les sentiments ressentis pendant la quarantaine jusqu’à ce que je tombe sur cette phrase lors de ma lecture de Quelqu’un a débranché la Grosse Pomme de Zovi : « J’essaie de me tourner vers l’avenir, mais le confinement me plonge dans des souvenirs qui étaient au présent il y a encore quelques semaines[1]. »

Habituée des illustrations – il est possible de retrouver ses dessins sur les panneaux publicitaires du métro de New York, pour lequel elle est graphiste –, l’artiste franco-chinoise fait son entrée dans le monde littéraire avec Quelqu’un a débranché la Grosse Pomme, une bande dessinée publiée à la Saint-Valentin chez Mécanique générale. Le récit autobiographique explore les changements draconiens provoqués par la pandémie sur sa vie et celle de son entourage.

Zovi réside en Chine depuis dix ans. Elle y occupe un emploi stable de graphiste et y gère à la fois un quintette de jazz et un magazine indépendant, mais cela ne l’empêche pas d’aller rejoindre son petit ami à New York. Elle ne devait y passer que trois semaines, afin d’évaluer leur capacité à cohabiter avant qu’il n’emménage chez elle. Cependant, lorsque la covid force la ville qui ne dort jamais à plonger dans un sommeil artificiel et repousse sans cesse son retour à Shanghai, elle se rend compte de l’ampleur de la situation et comprend qu’elle ne pourra jamais revenir à sa vie d’antan. Plus encore, elle réalise qu’elle ne veut pas y retourner. Commence ainsi son nouveau quotidien, rempli de plexiglas, de manifestations, d’angoisses médicales et fiscales, mais aussi d’amour, de support et d’opportunités.

Quelqu’un a débranché la Grosse Pomme est un album d’une centaine de pages, colorées d’une palette rosée qui permet de représenter des décors idylliques. Les dessins de Zovi, légèrement angulaires et cartoonesques, accompagnés par sa plume cursive, présentent au lectorat le point de vue d’une personne ordinaire face à une situation extraordinaire. À la fois personnelle et universelle, la bande dessinée nous offre une expérience d’une charmante honnêteté. Lecture rapide et agréable, Quelqu’un a débranché la Grosse Pomme laisse derrière elle le rappel que, même si nous étions isolé·e·s, nous n’étions pas les seul·e·s à essayer de surmonter les effets d’une situation imprévisible. Et bien que simple, ce rappel est rassurant.

 

 

[1] Zovi, Quelqu’un a débranché la Grosse Pomme, Montréal, Mécanique générale, 2023, p. 83.

 

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Zovi, Quelqu’un a débranché la Grosse Pomme, Montréal, Mécanique générale, 2023, 128 p.

Article rédigé par Audrée Lapointe

Artichaut magazine — LE MAGAZINE DES ÉTUDIANT·E·S EN ART DE L'UQAM

Une vie bouleversée par la cécité

Critiques Littérature

02 février 2023

par Megane Therrien

L’optométriste le confirme : Odette a une méduse dans l’œil gauche. Même si ça l’incommode démange, ça ne l’empêche pas de continuer son petit train-train quotidien : faire l’épicerie, déneiger l’entrée négligée par son voisin, travailler dans les rayons de la librairie – une série de tâches qu’elle répète jour après jour. La méduse – au départ embêtante, mais bien inoffensive – viendra troubler sa vie bien remplie. Petit à petit, Odette n’a d’autre choix que d’apporter des changements à sa routine pour s’adapter à l’apparition des méduses, qui se multiplient dans son champ de vision. De plus en plus nombreuses, celles-ci finissent par la plonger dans un noir complet. Par chance, ses ami·e·s et sa nouvelle conquête rencontrée à la librairie, Naina, la soutiennent tant bien que mal dans ce moment difficile.

L’œuvre de Boum illustre avec douceur les diverses conséquences qui suivent l’annonce d’un diagnostic irréversible. Ayant elle-même connu des problèmes visuels, l’autrice a su manier ce thème en faisant preuve d’une grande sensibilité. Elle fait ainsi découvrir aux lecteur·ice·s les répercussions d’une maladie méconnue qui cause progressivement la cécité.

La bande dessinée témoigne de la douleur que cause la perte de repères. En effet, Odette voit sa vie entière être bouleversée par les méduses qui la plongent lentement dans l’obscurité. Il est facile de s’attacher à la protagoniste et d’éprouver de la sympathie pour elle. Même si elle refuse catégoriquement de perdre son indépendance, ce qui va à l’encontre de son propre intérêt, et qu’elle perd son sang-froid, il est difficile de lui en vouloir. Qui n’en voudrait pas au monde entier alors qu’iel voit disparaitre progressivement tout ce qu’iel connait ?

Odette se sent impuissante devant ce terrible destin : cela l’amène à cacher aux autres tout ce qui la rend vulnérable. Heureusement, malgré son caractère, elle peut compter sur ses proches pour la soutenir. Son récit démontre l’importance de prendre appui sur les siens lorsque les ténèbres nous guettent. Leur soutien est une source de réconfort qui favorise indubitablement la résilience.

Les illustrations de La méduse entrainent graduellement les lecteur·ice·s dans la noirceur, comme si iels étaient elleux-mêmes étouffé·e·s par le désespoir de la perte de la vue et le deuil qu’elle engendre.

 

Boum, La méduse, Montréal, Pow Pow, 2022, 216p.  

Megane Therrien

Périple au coeur de l’Inde et entretien avec Val-Bleu

Critiques Entrevue Littérature

09 janvier 2023

par Megane Therrien
Crédit de l’image : Edwin Stanculescu

La nouvelle bande dessinée de Val-Bleu m’a récemment permis de plonger au cœur de l’Inde. Y ayant elle-même déjà mis les pieds, la bédéiste féministe peut habilement guider les lecteur·ice·s qui s’aventurent dans Couennes dures. L’autrice vulgarise les informations sur les déesses indiennes et les récits qui les entourent. Chaque chapitre débute d’ailleurs avec une mise en abyme – l’écriture d’une bande dessinée à l’intérieure de la bande dessinée – qui permet d’en apprendre davantage sur les divinités dont il question dans l’œuvre.

Dans l’œuvre, Raphi voit tous ses repères disparaitre à la suite d’un accident de vélo. Ayant la rage au ventre et le désir de vengeance, elle se résout à contrecœur à quitter son petit monde qui s’écroule sous ses yeux. Elle se dirige ainsi vers l’Inde, où elle pourra se concentrer sur la recherche de nouveaux éléments pour compléter sa maitrise sur les déesses hindoues. Déterminée à visiter les lieux mythiques et sacrés consacrés aux divinités, Raphi part à l’aventure accompagnée de quelques personnages non conventionnel·le·s – l’une étant sans caste, une autre moustachue. Celleux-ci l’aident à trouver son chemin à la fois vers le temple et vers la guérison.

La lecture de Couennes dures m’a permis de sortir de mes habitudes littéraires. La bande dessinée m’a effectivement donné la chance de voyager vers un pays que je connais peu et d’en apprendre davantage sur les croyances et les idéologies qui s’y retrouvent. Il est intéressant de voir comment les personnages que Raphi rencontre permettent l’accès à un regard nouveau sur divers enjeux, tels que l’homosexualité, le trouble psychologique ou l’accès aux services. Lentement, la protagoniste prend conscience que la solution à ses problèmes n’est pas tangible ; c’est plutôt à l’intérieur d’elle-même qu’elle doit la trouver. La protagoniste permet de réaliser qu’il est inutile de garder rancune et de ressasser le passé puisqu’il est impossible de le changer. Raphi, lors d’un rituel effectué par une guérisseuse, illustre comment la colère et le sentiment d’injustice causent bien souvent notre malheur. Elle comprend qu’en ruminant le passé elle s’inflige sa propre douleur physique et émotionnelle.

J’ai bien aimé découvrir à la fois cette œuvre, qui m’a fait sortir de ma zone de confort, et la bédéiste Val-Bleu. Celle-ci est d’ailleurs une ancienne cheffe du pupitre littérature pour l’Artichaut. J’ai eu la chance de lui poser quelques questions en rapport avec son travail et son œuvre.

Parlez-nous un peu de vous : quel est votre parcours?

Même si j’ai passé mon secondaire à dessiner des BD dans mon agenda, mon chemin vers la BD est loin d’avoir été linéaire! J’ai étudié le cinéma au cégep, puis la scénarisation à l’UQAM. J’ai continué avec BACC en études littéraires, toujours à l’UQAM. Finalement, quand je l’ai complété, j’ai fait un certificat en arts visuels.

Après tout ça, j’ai passé plusieurs années à osciller entre plusieurs pratiques : je voulais écrire un roman, mais aussi un recueil de poésie, faire de la peinture et des sculptures… J’étais passionnée, mais éparpillée. Après avoir été encouragée par une coloc, j’ai commencé un blog de BD où je faisais des histoires courtes, vraiment brouillonnes, juste pour rire. Le déclic s’est fait : faire de la BD était vraiment plus naturel (c’était beaucoup plus facile de me discipliner pour créer tout d’un coup) et j’avais beaucoup de bons retours. J’ai fait une première résidence artistique en Inde, que j’ai mise en BD. Après avoir autopublié mon premier album, j’ai juste eu envie de continuer dans cette direction-là!

Quel est votre processus d’écriture ?

En général, j’imagine toujours les dialogues en premier – peut-être parce que j’aurais voulu être dialoguiste, quand j’étudiais en cinéma. Les personnages et leurs expressions faciales ou corporelles me viennent assez vite aussi. Pour ce qui est des lieux, je dois généralement y réfléchir plus, me questionner sur ce qui pourrait rendre la scène plus intéressante, autant sur le plan visuel que narratif. Parfois, j’écris un scénario avant de faire le découpage, mais souvent, ce sont juste quelques notes, des extraits de dialogues par exemple. Après viennent le découpage et les multiples corrections, l’encrage, et finalement, la colorisation numérique.

Quel est votre rapport à l’écriture ? Pourquoi avoir choisi de vous exprimer par la bande dessinée ?

Pour moi, la BD est la forme d’art la plus complète, celle qui touche le plus à mes différents intérêts : ça touche à la fois au cinéma, à la littérature et aux arts visuels. Avec ma formation en scénarisation, j’avais appris à ne rien laisser au hasard, à tout préciser de façon claire et directe ; quand j’ai voulu écrire un roman, c’était un de mes grands problèmes! Je précisais trop tout, j’avais du mal à laisser planer le mystère. En BD, le processus est beaucoup plus long ; surexpliquer certains détails peut impliquer de faire de nombreuses cases/pages de plus… alors ça m’aide à trouver une balance et à ne pas en dire trop. J’aime aussi beaucoup le dessin et je trouve qu’il n’y a rien qui ponctue aussi bien un dialogue que de le jumeler à la bonne expression faciale.

Votre expérience a-t-elle influencé, voire modifié, votre écriture ?

Mes BD sont généralement très personnelles, donc mes expériences jouent un grand rôle, autant dans mes récits que mon esthétique. Par exemple, le temps que j’ai passé en Inde, et tous les ateliers que j’ai suivis sur les formes d’arts de l’Uttarakhand ont définitivement enrichi mon dessin. Pour Couennes dures, mes interactions avec les locaux étaient absolument nécessaires pour pouvoir écrire cette BD! Je crois que c’est important de rester ouvert dans ses projets, et d’être prêt à ajuster le tir si on se rend compte que, culturellement, les gens d’un autre pays (ou tout simplement d’un background différent) n’agissent pas tout à fait comme on l’aurait cru à la base. Parfois, ça m’a forcé à réécrire de grands passages de mon histoire, mais c’est pour le mieux: je ne verrais pas l’intérêt d’écrire sur l’Inde si ce n’était pas authentique.

Mes lectures aussi ont beaucoup influencé mon écriture. Alors que j’avais déjà remarqué que les conférences en Inde avaient une structure moins linéaire que ce que j’étais habituée, c’est la littérature qui m’a permis de mieux comprendre cette narration en arborescence. The God of Small Things, d’Arundhati Roy, est mon roman préféré et une grande source d’inspiration pour Couennes dures. J’adore comment les récits familiaux se côtoient et se croisent, passant d’une génération à l’autre, définissant un personnage par ses actions, mais aussi par sa généalogie… C’est vraiment comme un arbre, avec un tronc commun et des branches qui vont dans tous les sens, sans se rejoindre. Et c’était ça, l’idée de base de Couennes dures. Je voulais rendre un hommage à ce type de narration et voir ce que ça donnait, si je l’appliquais à la BD. C’est sûr que la narration d’un roman et d’une BD est très différente! Ça m’a forcé à retravailler la structure de mon récit pendant très longtemps, divisant l’histoire de plein de façons différentes afin de trouver ce qui marchait le mieux.

Au final, j’ai vraiment aimé faire ça! Je crois que je vais continuer à utiliser ce genre de structure narrative pour mes prochaines BD, c’était vraiment une belle expérience.

Avez-vous rencontré des difficultés en écrivant sur un autre pays, une autre culture? Y a-t-il des enjeux qui ont été plus difficiles à aborder ?

J’ai surtout eu beaucoup d’angoisses! Malgré le fait que j’ai travaillé pour un organisme culturel indien pendant 8 ans (avec de fréquents voyages en Inde d’un mois ou plus), j’ai toujours peur que mon amour de ce pays soit mal perçu parce que je ne suis pas indienne. C’était important pour moi de mettre une bibliographie et une filmographie à la fin de ma BD, parce que je ne suis pas la seule référence sur le sujet; il y a plein de très bons livres qui peuvent permettre au lecteur de s’instruire encore plus sur cette culture.

D’un autre côté, ma crainte m’a forcé à bien effectuer mes recherches et ne rien laisser au hasard. Dans Couennes dures, tous les éléments culturels ont été recherchés à fond, autant sur le terrain que dans les livres. Pourtant, il y a plein d’éléments qui ne paraissent même pas! Par exemple, les couleurs des vêtements des femmes sont codifiées en fonction des castes. On ne verrait jamais une Rabari porter un sari jaune! Chaque personnage de ma BD porte des couleurs appropriées pour sa caste (et même encore, les Rabaris du Rajasthan ne s’habillent pas comme ceux du Gujarat, l’état d’à côté!). J’ai donc dû passer plusieurs mois en Inde à interroger les locaux, à visiter leur maison et apprendre leurs coutumes, leur train-train quotidien… Tout ce travail-là était long et difficile (surtout considérant que je ne recevais pas toujours la même information d’un village à l’autre), mais je crois que ça m’a aidé à faire une BD plus complète, plus réaliste et représentative des gens à qui je voulais rendre hommage.

La langue aussi a été un aspect assez difficile; j’ai beau apprendre l’Hindi, ce n’est pas toujours la langue que les gens parlent dans les villages! Il y a tellement de langues différentes en Inde que ça serait impensable de toutes les apprendre. Heureusement, le fait que d’avoir travaillé là-bas pendant plusieurs années m’a permis de me faire de très bons amis, qui ont accepté de m’aider dans mon projet. Ils m’ont accompagnée dans les villages et ont traduit pour moi les réponses à mes questions. C’est sûr qu’il reste toujours quelques lost in translation, mais la plupart du temps, on arrivait à bien se comprendre. Sans eux, Couennes dures n’aurait pas pu exister, et je leur en suis vraiment reconnaissante.

Le fait que je connaisse bien cette culture-là m’a aidé aussi dans le contact avec les gens. J’ai même acheté des cahiers d’écriture pour enfants afin de pratiquer mes lettres d’Hindi! Le fait que ce soit une langue différente ET un alphabet différent était un bon défi, mais j’ose espérer que je m’en suis bien sortie! 

Il est possible de suivre Val-Bleu sur Instagram, où elle publie d’ailleurs beaucoup de contenu littéraire.

Val-Bleu, Couennes dures, Montréal, Mécanique générale, 2022, 264p.

Megane Therrien

La bande dessinée Aliss. Une adaptation réussie pour souligner les deux décennies d’un classique de l’horreur québécois

Arts visuels Bande dessinée Critiques Littérature

28 octobre 2021

par Artichaut magazine

Le roman Aliss de Patrick Senécal, publié chez Alire en 2000, a marqué le paysage littéraire québécois depuis sa sortie : réception extrêmement positive autant chez la critique que chez les lecteur·trice·s, popularité qui s’est par ailleurs maintenue à travers les années, prix Boréal du meilleur roman (2001), rédaction d’un mémoire de maitrise de Mélissa Boudreault à l’UQAM (2010), scène dans l’expérience interactive Peur Dépôt (2013-15)… Cet autre Montréal fascine et dérange, ce lieu fantastique et horrifiant dans lequel s’évanouissent les limites et les normes sociales et où règne la Reine Rouge, personnage mystérieux qui aura eu sa websérie (2011) et sera réapparu dans un autre roman de l’auteur. L’adaptation éponyme en bande dessinée de Jeik Dion et Patrick Senécal est sortie en fin d’octobre 2020 aux éditions Alire et Front Froid.

D’emblée, la BD propose une synthèse efficace du roman et condense ses 521 pages en environ la moitié. Pourtant, le·la lecteur·trice qui a lu l’œuvre québécoise originale en retrouve l’essentiel. Le·la lecteur·trice suit la quête d’émancipation et le regard déterminé de·la protagoniste Aliss, elle-même sur les traces du personnage représentant le lapin blanc. Elle est animée de candeur et de curiosité de comprendre le monde qui l’entoure en cherchant un indéfinissable « autre chose » (Aliss, n.p.). Les chapitres sont courts, s’enchainent rapidement et se centrent sur un personnage du quartier insolite à l’image du roman. Les dialogues colorés et les jeux de langage contribuent toujours autant à amuser le·la lecteur·trice tout en rehaussant son malaise par la violence des situations et du fait de sa propre complaisance : Aliss « Heu.. j’aimerais entrer » ; le portier « Bonne idée. D’utiliser le conditionnel. C’est plus prudent./ Pour ma part, je vais employer l’impératif :/ Décrisse » (Aliss).

Belle trouvaille du dessinateur pour représenter la candeur de la protagoniste. Source : Aliss

Le bédéiste Jeik Dion s’approprie l’œuvre originale en faisant des choix graphiques qui lui permettent de se démarquer par son propre style. C’est grâce à ce dernier que le dessin donne beaucoup d’expression au quartier magnifiquement transposé et très glauque, et à ses différents habitants. Là où le roman use de techniques littéraires éprouvées, mais parfaitement maitrisées comme l’alternance entre la présence et l’absence du personnage (l’énigmatique Chess), et l’accumulation de détails empruntant au cinéma gore (Bone et Chair), la BD procède autrement. De fait, elle capture, grâce à l’expressivité de ses dessins, l’essence des personnages de Lewis Carroll, soulignant l’amoralité et la folie de ceux-ci, accentuant le sentiment de leur dangerosité. La Reine Rouge est complètement désillusionnée, l’expression de son regard rend cela patent ; les sourires de Bone et Chair montrent le sadique qui se cache derrière leur vernis de civilisation et de redoutables jeux de mots dès qu’ils s’emballent dans leur recherche ; Chess devient une ombre expansive et sinistre en conservant un ton parfaitement égayé.

L’expressivité de Chess et la fluidité des transitions soulignent les déboires d’Aliss. Source : Aliss

Le médium de la bande dessinée permet par ses nombreux cadres d’exprimer organiquement la clôture des lieux, surtout avec cette image répétée et obsessive du palais rouge. Le·la lecteur·trice est constamment enfermé·e en dehors des murs des lieux auxquels la protagoniste voudrait pouvoir accéder. Par la fluidité de la transition entre plusieurs cases, iel ressent de manière analogue le sentiment de dédale qui affecte Aliss et motive sa frénésie de déplacements pour comprendre cet endroit et ses transgressions – ce n’est bien sûr pas la bonne question qu’elle se pose. Le moment où la candide jeune femme pénètre enfin dans le palais est moins une récompense pour cette dernière, qui, comme pour le reste, n’y est pas réellement à sa place, que pour le·la lecteur·trice. Visuellement somptueuse, la séquence produit naturellement une impression de progression où l’on se retrouve attiré dans cet espace interdit – de fait, très peu d’exemples graphiques aussi proches du pornographique et offrant une telle profusion de luxure existent au Québec. Le·la lecteur·trice comprend immédiatement pourquoi il a attendu pour accéder à ce lieu d’initiés étant donné la nature de cette scène et la virtuosité de sa mise en scène qui, comme spectacle d’une société, supplante tout le reste.

Le palais si loin et si proche, du Joe Dassin et une première séquence de sexualité. Source : Aliss

Même avant d’arriver à ce point de bascule dans le récit, la narration visuelle réussit à toujours rehausser le sentiment de malaise du·de la lecteur·trice lié au voyeurisme des scènes. En effet, Aliss se retrouve fréquemment soit en position d’impuissance qui mélange habilement la spectature et la violence – ce qui fait écho au propre rôle du·de la lecteur·trice dans le récit –, soit dans l’illusion de sa propre puissance (par la drogue, le sexe, son métier de danseuse, etc.). En outre, le bédéiste Dion parvient, dans ces scènes, à adopter un rythme rapide, tranché sans jamais se perdre dans l’excès, contrairement à l’héroïne qu’il met en scène. En réussissant cette adaptation visuelle qu’aucun autre médium ne permettait, on imagine difficilement pour l’heure une version au cinéma ou en série télévisuelle dans notre belle province, Jeik Dion et Patrick Senécal prouvent l’atemporalité du récit d’Aliss, cette relecture québécoise trash du classique de Carroll qui emprunte aussi beaucoup au conte et à l’horreur.

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Jeik Dion et Patrick Senécal, Aliss, Montréal, Alire et Front Froid, 2020, 272 p.

Article écrit par André-Philippe Lapointe.

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Temps libre. Toute la précarité derrière la création d’une oeuvre d’art

Arts visuels Bande dessinée Critiques

03 mai 2021

par Artichaut magazine

Mélanie Leclerc, dont la première bande dessinée Contacts (2019) a reçu des critiques élogieuses ainsi que le Grand Prix de la Ville de Québec en 2020, publie avec Temps libre, chez Mécanique générale en novembre 2020, une deuxième œuvre portant sur l’identité, la famille et le rapport à l’image. Soulignons d’emblée que cette seconde bande dessinée offre une riche réflexion sur la création, sur sa potentialité et la précarité de son existence.

La couverture montre la narratrice à son travail, entourée d’oeuvres achevées. (Source: Les libraires)

Cette narration de l’acte créatif s’étend naturellement sur les spécificités propres au médium de la bande dessinée, qui combine les procédés littéraires, les techniques cinématographies et les styles caractéristiques des arts visuels. , gravant à la main par-dessus les images capturées sur la pellicule, qui forment alors une suite de cases et de cadres. L’élaboration de son film est doublement exigeante: tant par sa conception artisanale excessivement coûteuse que par l’émotion entourant le choix de son sujet soit l’avortement du rêve naissant de sa marraine de devenir comédienne au théâtre à cause de la maladie d’Alzheimer.

La laborieuse entreprise artistique de la protagoniste. (Source: auteur)

La protagoniste en vient à marcher sur des traces incertaines de sa marraine à mesure que le doute entourant son projet artistique devient plus patent, qu’elle se demande de plus en plus si elle pourra véritablement le mener à terme malgré tous les aléas de son existence d’adulte. Alors que Contacts dévoile le rôle de ses influences masculines, qui ont contribué à sa passion pour l’image[i], Temps libre, en se centrant sur sa marraine et d’autres femmes de sa vie, ébauche naturellement une réflexion féministe contemporaine autour du temps disponible pour la création artistique. Ce dernier s’oppose au travail invisible quotidien et à la charge mentale, encore majoritairement associés à la sphère du féminin et donc attribué à sa responsabilité dans le cadre de notre société.

En outre, réfléchit à la responsabilité et à l’humanité derrière tout projet artistique, tant sur son rôle lumineux de transmission et de partage d’une étincelle intérieure que sur ses limites et ses écueils. La progression de la maladie chez sa marraine s’oppose à son désir créatif, à ses responsabilités familiales, à ses opportunités professionnelles et, ultimement, à son rêve. Ainsi, on retrouve une parfaite cohérence entre le propos et la pertinence du regard de l’œuvre, qui adopte un regard marqué d’un recul sur ce qui constitue normalement l’arrière-scène du théâtre de la création, de la société.

L’ensemble est appuyé par un visuel expressif, souvent lumineux et superbe à regarder, qui capte les nombreux moments où l’émotion occupe le centre de la séquence. À l’image des cases dévoilées par la pellicule, réalistes jusque dans l’illusion de flou de la caméra, la succession des dessins se situe à parfaite mesure entre l’expressivité propre à la bande dessinée et la maitrise de la photographie à saisir l’image et le mouvement. L’absence de cadres visibles à la plupart des cases permet de traduire avec brio l’état d’esprit des personnages: le casse-tête mental de la marraine lorsqu’elle oublie, les doutes qui envahissent la protagoniste, etc. L’expérimentation et le renouvellement visuels, aussi à l’image de l’accomplissement artistique que sous-tend tout ce récit, rendent fluide le changement d’échelle de plan à la manière du cinéma en offrant des transitions dynamiques. Les dix chapitres se succèdent efficacement et illustrent bien comment le temps libre tend sans cesse à être occupé de tâches, de travail, de moments en famille, de soupers entre ami.es, d’événements imprévus…

L’enchainement naturel des cases suggère le flot des pensées de Mélanie. (source: auteur)

Entourée à la fois des classiques et autres publications achevées qu’elle doit placer, dans le cadre de son emploi à temps partiel, à l’intérieur d’une bibliothèque, ainsi que d’autres artistes parmi son groupe d’ami.es, elle est naturellement stimulée, émerveillée et portée vers la création. C’est cependant une importante pression que de réaliser son œuvre et de trouver du temps et de l’énergie, alors que le syndrome de l’imposteur se manifeste couramment chez les jeunes femmes et vient questionner leur identité d’artiste, le domaine étant davantage associé au masculin. Finalement, l’image de la courtepointe et le personnage de Thierry Ledoux-Champoux, qui a le mieux réussi dans le domaine des arts, exposent l’importance contemporaine de la récupération[i] où les liens qu’on tisse entre plusieurs fragments narratifs s’intègrent pleinement au processus de création. Ainsi, cette bande dessinée se pose comme la récupération du projet cinématographique, réussissant parfaitement son hommage à sa marraine, qui se révèle être le point de départ de sa réflexion et de son lectorat.

L’autrice maitrise joliment le découpage des mouvements illustrant la minutie. (source: auteur)

Mélanie Leclerc, Temps libre, Montréal: Mécanique générale, 2020, 176 pages. 

Article signé par André-Philippe Lapointe, candidat au doctorat en sémiologie à l’UQÀM. 

[i] Contacts débute en mettant en scène une relation père-fille touchante. Son père Martin Leclerc a été photographe et caméraman. Il a travaillé avec le célèbre réalisateur Pierre Perrault, auteur de Pour la suite du monde (1962). Son grand-père, encore plus connu, est Félix Leclerc. Ses autres influences artistiques sont essentiellement masculines (Eugene Smith, Henri Cartier-Bresson, etc.).

[i] Depuis les années 2000 et tout particulièrement dans la dernière décennie est visible l’importance du recyclage culturel, tant dans la théorie entourant la culture populaire qu’ à l’intérieur de ses productions. Il s’agit de la réutilisation volontaire d’éléments narratifs d’œuvres existantes qui sont souvent réactualisés pour éclairer nos réalités contemporaines.

 

 

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Wendy: Puissance et authenticité de l’émotion chez les jeunes adultes

Bande dessinée Critiques

18 juin 2020

par Artichaut magazine

Wendy, la bande dessinée de Walter Scott traduite par Catherine Brunet, est parue en octobre 2019 chez Mécanique Générale. Sa forme, à l’image des personnages de l’œuvre, est dynamique et montre la complexité affective entourant la vie de jeunes adultes issus du milieu artistique, déchirés entre la sincérité de leur démarche, les impératifs pécuniaires et les partys.

Wendy de Walter Scott (Source : Les libraires)

Si les jeunes adultes gravitant autour du milieu artistique montréalais recherchent indéniablement l’authenticité, le style de l’œuvre ne semble jamais peiner à l’atteindre. De fait, la forme épouse le rythme de la narration en racontant les errances urbaines caractéristiques de la vie des nouveaux adultes. Tant le dessin que la mise en page fluide expriment la frénésie de personnages qui se cherchent indéniablement. En ce sens, sont rapidement rendus visibles les excès et les comportements toxiques (trahisons, violences verbales, etc.) qui viennent souvent contrebalancer les insatisfactions d’une vie qui ne peut que sembler médiocre à des personnages aspirant à une réelle carrière artistique, à de vraies amitiés solides et au grand amour.

L’incipit montrant la vie parfois chaotique de Wendy. (Source: Wendy)

La taille et la forme des cases s’adaptent de manière à suivre les aléas émotionnels d’une nouvelle génération d’adultes, tandis que les courbes du dessin, en particulier au niveau des bras viennent souvent accentuer la charge émotive de façon très efficace, à la manière de la série télévisée Adventure Time (2010-18). Ce faisant, l’œuvre réussit à capturer la puissance des émotions, qui passent autant d’une joie sincère et presque enfantine à un désespoir beaucoup plus adulte. Dans les deux cas, le style de la ligne claire à sa pleine maturité rend le visage très expressif et immédiatement lisible. Cela rend le·la lecteur·trice beaucoup plus empathique envers ces personnages qui peuvent se montrer passablement égoïstes et très peu authentiques: il serait en effet difficile de ne pas partager toute leur détresse existentielle et la sincérité de leurs sentiments.

L’émotion des visages est instantanément perceptible. (Source: Wendy)

À première vue, le portrait de la génération actuelle que l’on présente semble peu flatteur, les jeunes adultes ne réussissant souvent pas à atteindre leurs idéaux. Plusieurs d’entre eux n’hésitent pas à trahir leurs ami·e·s et leurs valeurs pour avoir des relations sexuelles avec quelqu’un de sinon inaccessible ou tenter d’assurer leur avenir professionnel. L’auteur dresse un portrait juste de la génération à travers les nombreuses imperfections des personnages, ce qui les rend bien plus vraisemblables. Malgré tout, à l’intérieur du récit, ces derniers se montrent également ouverts, critiques, plutôt bienveillants et capables de s’adapter, mais aussi de se relever après une chute – sans jamais non plus incarner parfaitement ces qualités et devenir infaillibles à tous ces égards. La diversité des personnages, particulièrement au niveau de l’orientation sexuelle, n’a jamais besoin d’être soulignée à l’intérieur du récit, s’intègre parfaitement à celui-ci, à l’exception de quelques remarques racistes à l’encontre d’une artiste appartenant aux premières nations canadiennes pour discréditer son travail. Le tableau de ces vies semble des plus authentiques: les lieux sont d’ailleurs familiers (des appartements, les rues montréalaises, des bars, etc.) et les activités, convaincantes: «Wendy su’l party» qui s’est complètement saoulée; des travaux et des demandes académiques faits à l’ordinateur aux ami·e·s qui se téléphonent, cruisent, fument, boivent des cafés, clavardent… Au travers des excès, des tromperies et de quelques jeux de pouvoir, la forme de l’œuvre insiste surtout sur le déchirement légitime vis-à-vis des idéaux à l’âge adulte où il convient de savoir se réinventer (ainsi que sa démarche) et l’importance de l’amitié (féminine) malgré les imperfections indéniables de chaque personnage et des trahisons qui viennent ponctuer leurs relations.

La mise en page particulièrement fluide captant tout le crescendo de l’émotion. (Source: Wendy)

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Walter Scott, Wendy, Montréal, Mécanique Générale, 2019

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Article par André-Philippe Lapointe, Doctorant en études littéraires, UQÀM

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Séraphin Illustré. Au cœur (absent) de l’anti-héros québécois

Bande dessinée Critiques

30 mars 2020

par Artichaut magazine

À l’annonce d’une sixième saison des Pays d’en haut, remake télévisuel de la première série Les Belles Histoires des pays d’en haut (1956-70), on peut être tentés de découvrir les premières aventures de ces figures archétypales québécoises. La bande dessinée Séraphin Illustré de Claude-Henri Grignon et d’Albert Chartier, (re)publiée chez Station T en octobre 2019, propose un retour aux sources. Elle s’inspire du roman Un homme et son péché et de son adaptation en une première série télé racontant le début d’une vie en communauté dans les Laurentides. En exposant un vice de l’époque, mais en lui donnant une portée universelle – à la manière de Molière –, l’œuvre dénonce autant qu’elle amuse.

Séraphin illustré (source : Les libraires)

La bande dessinée, produite entre 1960 et 1980, compile l’œuvre télévisuelle de Claude-Henri Grignon et d’Albert Chartier. La structure épisodique épouse à la fois le format des premières aventures de Séraphin et celui des bandes dessinées en strip de l’époque, qui se limitaient, dans leur publication initiale, à une seule planche (comme Little Nemo ou Tintin). Le style du dessin, en noir et blanc, s’apparente aux gravures du début du XXe siècle, soutenu par les raccourcis du langage populaire d’hommes et de femmes habitué.e.s au dur travail manuel de la classe ouvrière. À l’instar du texte et de l’image, la mise en page est très accessible pour le.la lecteur.trice contemporain.e puisqu’elle rend les effets comiques ou dramatiques explicites. En outre, chaque planche annonce le titre de la suivante, insistant ainsi sur la séquence d’épisodes, mais obéissant toutefois, à la manière de Superman, à un cadre essentiellement atemporel[1]. Il s’agit d’aventures qui s’additionnent les unes aux autres et qui pourraient se continuer indéfiniment, n’étant pas dans une temporalité réaliste, causale. Les différents personnages de la région sont sollicités en fonction des besoins narratifs de chaque épisode, sans être véritablement transformés par le récit et ses bouleversements, qui ne durent que le bref temps de l’épisode. L’intérêt de chaque planche repose plutôt sur l’attente de la chute souvent comique associée aux différentes valeurs qu’incarnent les habitants du village et qui se fondent sur des stéréotypes.

En comparaison avec Les pays d’en haut, «la série la plus  » badass  » de la télé québécoise[2]», la bande dessinée s’inscrit évidemment dans une dynamique beaucoup plus classique. On peut en ce sens regretter – ou saluer – l’absence de réels changements par rapport à la première série télé chez Séraphin Poudrier, l’une des figures québécoises les plus connues et les plus honnies. À titre d’exemple, la série télé contemporaine, en reprenant le célèbre personnage, l’associe à l’austérité (qu’a défendu le gouvernement libéral de Couillard) et lui octroie des tendances paranoïaques, ce qui transforme Séraphin en victime de ses propres peurs et incertitudes. Cette différence, sans nécessairement nous permettre de nous identifier à l’avare, permet de le comprendre en développant par le fait même sa complexité psychologique et narrative. À l’inverse, la bande dessinée lui donne un visage beaucoup plus monolithique et iconique. Aujourd’hui, même les films hollywoodiens assument pleinement leur dimension spectaculaire : les différents univers de Disney ont habitué le.la spectateur.trice à davantage de nuances et de complexités en matière de personnages. En effet, dans la BD, chaque personnage de la communauté représente d’emblée un type bien précis et inaltérable. Outre Séraphin, résolument avare et calculateur, Donalda, sa femme, est angélique et dévouée; Alexis demeure travaillant et direct; et le père Josaphat, reste profondément bon pour sa communauté et ouvertement critique de l’avarice de Séraphin.

La prospérité actuelle de la bande dessinée québécoise, qui explore tous les genres narratifs, permet également de revisiter ses débuts à travers la réédition. On retrouve du même coup le début de la colonisation – autant du territoire que de l’imaginaire – qui a donné l’une des plus grandes figures populaires québécoises. Plusieurs autres figures marquantes découleront d’une façon ou d’une autre de lui: Rénald Paré dans la série télévisuelle La Petite Vie (1993-98), Brad de Dans une galaxie près de chez vous (1999-2001), etc. Les petits triomphes et les grands déboires de mesquinerie pure, inspirés de Séraphin, sont d’autant plus intéressants et amusants lorsqu’on les associe à ces autres personnages qui possèdent sans doute le défaut le plus impardonnable pour un Québécois: être cheap.

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Séraphin illustré, Claude-Henri Grignon et d’Albert Chartier, Montréal, Station T, 2019. 

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[1] L’analyse d’Umberto Eco, «Le mythe de Superman» (1976), demeure pertinent à lire pour comprendre l’importance de placer les aventures hors du temps de manière à ce que celles-ci puissent se poursuivre ad vitam aeternam sans réel changement narratif.

[2] Il s’agit d’une référence à l’article «Les Pays d’en haut : la série la plus  » badass  » de la télé québécoise. Un véritable western féministe» de Jean-Michel Berthiaume, publié sur Urbania en février 2019. Le texte montre avec brio les enjeux narratifs de cette série contemporaine et pose l’importance de mythes et de grandes figures pour l’imaginaire québécois.

André-Philippe Lapointe, Doctorant en études littéraires, UQÀM

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Le projet Shiatsung. Le mode d’emploi de la vie (de banlieue) ou toute la beauté (et la laideur) dans l’expression de la résistance

Bande dessinée Critiques

28 février 2020

par Artichaut magazine

Huis clos et expériences scientifiques vont souvent de pair. Le lieu construit en système fermé est d’ailleurs un trope en science-fiction. Il se conjugue fréquemment avec un autre: la machine (le corps) ou l’intelligence artificielle (l’esprit) – évidemment ces deux états peuvent cohabiter, comme l’illustrent de nombreux robots et automates de la culture populaire. Parue chez Mécanique Générale en septembre 2019, la première bande dessinée de Brigitte Archambault, Le projet Shiatsung, se nourrit de ces tropes, tout en se les réappropriant avec brio de manière à proposer une narration originale.

La première de couverture. (Source: Les libraires)

D’emblée, il est difficile de ne pas faire le rapprochement avec le film I Am Mother (2019), qui est sorti récemment sur la plateforme Netflix. Les deux œuvres reposent sur un concept commun et les différences en deviennent d’autant plus significatives: deux jeunes femmes sont élevées par une interface numérique et vont tenter à leur manière de s’en affranchir. En effet, dans le film, tant la protagoniste que le spectateur se retrouvent dans une mécanique qui, une fois découverte, se révèle parfaitement conforme aux codes de son genre narratif (excepté la féminisation des figures). Dans une finale somme toute très hollywoodienne et, en ce sens, efficace, la pulsion de vie, exprimée à travers la tension et les émotions, s’affirme pleinement, alors que toute la narration tend jusqu’alors à la contrôler, à l’entraver. En choisissant de raconter une histoire moins spectaculaire, la bande dessinée parvient à être plus insolite, viscérale et créative par rapport à son médium que la production Netflix.

La curiosité, l’émotion et l’imagination au cœur de l’œuvre

Le visuel assez atypique de l’œuvre se remarque au premier abord et se révèle en parfaite symbiose avec l’expérimentation racontée. Le style graphique épuré, sans pour autant sembler aseptisé, insiste sur les formes essentiellement linéaires qui composent l’environnement, même si la narration emprunte occasionnellement au pop art et au cartoon, voire à l’expressionnisme allemand, pour exprimer l’expérience singulière face au monde de la protagoniste. Dans la bande dessinée, la forme courbe est principalement réservée à cette dernière, sans l’érotiser, ainsi qu’aux autres créatures vivantes, notamment aux oiseaux. C’est également le cas de Shiatsung, interface asexuée (contrairement à Mother dans la production Netflix), insaisissable et en apparence omnisciente. Dans la mesure où le récit semble se centrer sur son enfance et son apprentissage, la narration schématique, dans laquelle texte et image sont souvent séparés, redouble le caractère didactique. Cependant, le visuel permet rapidement de montrer l’expressivité de la protagoniste. Même le lettrage de son «Ok», écrit en cursive et rappelant la typographie numérique (à la manière du @), semble à la fois ironiser le texte de Shiatsung et montrer qu’elle tente d’établir sa différence, l’existence d’une perception unique. D’ailleurs, les cases et les séquences les plus réussies viennent toutes exprimer le questionnement (métaphysique) et le désir de révolte de la protagoniste sans nom.

La mise en page exposant le questionnement de la protagoniste

Au-delà de l’esthétique globale fort réussie, la fin ouverte rend passablement hasardeuse toute interprétation définitive sur l’histoire et son contexte (là où Mother ! prenait bien soin d’exposer son message, le film opérant à l’image de la mère homonyme). En fait, la bande dessinée emprunte une voie complètement différente. La construction de l’œuvre redouble tant par son récit que par son architecture visuelle, notamment par la séquentialité des cases et le tressage[i] iconique, ainsi que par l’expérimentation dans laquelle est enfermée la protagoniste. Ainsi, plusieurs séquences devraient fortement faire réagir le.la lecteur.trice: les scènes oniriques très déroutantes, l’éveil sexuel explicite, la douleur liée au deuil, la tension d’une menace, etc. Le.la lecteur.trice peut également en venir à questionner son propre voyeurisme[ii] devant le caractère brut de cette vie entravée, recluse. Le récit parvient ainsi habilement à passer du confort protecteur de la banlieue, où plusieurs lecteur.trices des générations X et Y ont grandi, à une volonté de se libérer de ce mode de vie dans lequel la nature retrouverait pleinement sa place. La résistance, même à travers des actes éphémères, devient essentielle, la narration encourageant les débordements jusqu’à basculer dans l’abjection et l’hyperbole. S’écartant ainsi du récit policier fusionnant suspense et énigmes, Le projet Shiatsung est une œuvre réflexive sur l’émotion brute et l’expressivité de la vie qui, même contrôlées, «trouve[nt] toujours [leur] chemin[iii]».

Les extrêmes caractérisant l’existence humaine, de la voracité à la sérénité

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Brigitte Archambault, Le projet Shiatsung, Montréal, Mécanique générale, 2019

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[i] Il s’agit d’une théorie exposée dans le mémoire de Gabriel Tremblay-Gaudette, Le tressage à portée interprétative comme modalité de lecture: étude du roman graphique Watchmen de Dave Gibbons et Alan Moore (2010). Une icône s’identifie grâce à la récurrence de motifs (ou de formes) qui se retrouvent disséminés dans l’œuvre et dont la résurgence est significative.

[ii] Le visuel de l’œuvre évoque les jeux vidéo des années 1980-2000 par sa lisibilité, la simplicité de ses plans et de ses mouvements de caméra ainsi que les mondes clôturés. L’univers évoque tout particulièrement le jeu vidéo Les Sims (2000), rappelant du même coup les expérimentations au cœur du jeu chez le joueur qui incarnait la figure divine.

[iii] Il s’agit d’une citation du film Jurassic Park (1993) de Steven Spielberg. Elle vient du personnage de Ian Malcolm, chaoticien incarnant la figure du prophète (à la manière de Cassandre).

André-Philippe Lapointe, Doctorant en études littéraires, UQÀM

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L’élaboration du décor tragicomique dans Whitehorse

Bande dessinée Critiques

09 mars 2018

par Artichaut magazine


Étant lauréat du Bédélys[i] Québec en 2015, Samuel Cantin s’est vu assuré que de nombreux lecteurs liraient Whitehorse – Première partie, publié aux Éditions PowPow, et qu’ils voudraient connaitre la suite des aventures du protagoniste Henri Castagnette. L’auteur est également connu pour ses deux autres bandes dessinées, Phobies des moments seuls (2011) et Vil et Misérable (2013), qui proposent d’étonnants longs textes pour un auteur de bande dessinée, cet art de la synthèse, et des personnages hautement improbables.

Les couvertures des deux tomes de Whitehorse
Source : bedetheque

Whitehorse – Deuxième partie est, à l’image du film qui se réalise au sein de l’œuvre, difficile à classer dans un genre particulier. D’ailleurs, ce qui compte est moins de savoir si nous lisons une grande saga épique, un récit d’aventures humoristique contemporain ou une longue fable postmoderne que les nombreuses réactions que produit sur nous la bande dessinée. La principale est assurément le rire, mais le lecteur en vient à s’attacher réellement aux différents personnages, aussi délirants soient-ils. Leur étrangeté provient souvent d’une complète absence de filtre, produisant la longue et franche énonciation de leurs pensées intérieures et dévoilant leurs états d’âme et leurs détresses. Par exemple, Castagnette ne réalise pas la méchanceté de ses propos sur sa fréquentation du moment en bavardant avec son meilleur (et seul) ami Diego : « J’ai jamais dit qu’elle était stupide, j’ai juste dit qu’elle avait aucune culture et que je soupçonnais qu’elle avait manqué d’air à la naissance » (p.15). Diego, plus lucide que son ami, résume bien le délire de ce dernier : « Fou est le mot clé ici » (p.15).

Les dialogues denses et les expressions éloquentes des personnages
Source : Whitehorse – Deuxième partie, p. 208-209

Au début du second tome, Castagnette se trouve dans un complet déni qui l’empêche de progresser, se refusant à accepter le départ de sa blonde, la belle Laura, avec l’infâme Sylvain Pastrami, qui réalise le film à Whitehorse, capitale du Yukon, avec pour objectif de la séduire. Il va falloir que le médecin toqué Von Strudel annonce à Castagnette qu’il est le premier patient à avoir le syndrome de la tortue et qu’il va prochainement en mourir pour qu’il se décide à partir en hélicoptère avec son ami Diego pour retrouver Laura. La maladie est bien sûr fictive, créée par le docteur afin de s’amuser aux dépens de Castagnette. Cela évoque un autre personnage de Cantin, le psy de Vil et Misérable, qui se rend au travail de son patient de manière à pouvoir rire de ses soucis avec ses collègues, qui le trouvent assez étrange. Si le premier tome se déroule dans le cadre réaliste de la ville de Montréal en caricaturant ses cercles plus underground, la majorité du second tome se situe dans un Whitehorse complètement imaginaire et improbable. Castagnette et Diego fantasment la ville qu’ils imaginent héritière de la mythologie du Far West, tandis que de redoutables pélicans et un immense volcan menacent réellement les habitants de la ville. La deuxième de couverture cite un extrait du journal du protagoniste décrivant le caractère alarmant des oiseaux géants :

« La première chose qui frappe l’esprit en arrivant à Whitehorse, ce sont les pélicans. Parce qu’ils sont partout et parce qu’ils ne sont pas comme nos dociles et minables petits pélicans de ville, non : ils sont au moins dix fois plus gros et ils visent invariablement les yeux lorsqu’ils vous fondent dessus en piqué. Il n’est pas rare de croiser en ville de vieux prospecteurs n’ayant en guise d’yeux que deux trous béants, deux abîmes sans fond couleur d’encre. L’horreur. »

L’arrivée de Castagnette et Diego à Whitehorse
Source : Whitehorse – Deuxième partie, p. 161-62

Le lecteur serait surpris par le caractère excessif des imposants dialogues si ceux-ci ne s’associaient pas au lyrisme des personnages, que le lecteur découvre également grâce aux extraits de leurs écrits (du moins, pour Castagnette et Pastrami, les deux rivaux et forces opposées du récit), et à l’environnement extraordinaire en soi. L’expressivité du dessin permet d’illustrer parfaitement la pensée des personnages et de savoir sur quel ton doit être lu chaque dialogue. La précision du dispositif narratif permet que les nombreuses blagues s’enchainent naturellement en suivant les péripéties des personnages colorés.

Le décor d’extravagance permet aux personnages d’incarner de grands rôles : Henri Castagnette peut devenir le héros et affronter son ennemi juré, dont le machiavélisme ne cesse d’être davantage dévoilé dans une surenchère incroyable. La multitude de références culturelles et génériques à la culture populaire s’intègre à merveille dans toutes ces situations délirantes que le lecteur peut s’être amusé à fantasmer. C’est naturellement que le lecteur suit le sauvetage de Laura et l’assuré happy ending. Comme dans l’entièreté de l’œuvre de Cantin, la vraie quête du protagoniste questionne d’abord sa masculinité. Devant l’idéal de virilité, dont Castagnette autant que Pastrami veulent triompher, le gagnant n’est que le meilleur douchebag, ce qui déplait certainement à Laura. Celle-ci avait quitté Castagnette parce qu’elle étouffait avec lui, et elle n’est guère mieux avec le vantard Pastrami. Laura est d’ailleurs un personnage complexe et nuancé, certes réduit à un objet sexuel par Pastrami et déifié par Castagnette, mais qui négocie très habilement la plupart des situations cocasses, traversant une gamme de réactions face aux péripéties. Elle a ses propres buts, qui lui sont personnels et qui peuvent se révéler moralement douteux (elle veut faire mieux que sa cousine vantarde, pour pouvoir bien l’emmerder).

Diego paniquant du fait que Castagnette joue avec le pistolet qu’il vient d’acheter
pour un éventuel duel avec Pastrami
Source : Whitehorse – Deuxième partie, p. 170

Pourtant, les personnages sont beaucoup plus convaincants et touchants dans leurs confusions et leurs doutes. Plusieurs moments montrent que Castagnette possède une belle sensibilité, qui s’étiole seulement quand il tente d’incarner son idéal masculin dominateur et contrôlant. Ses proches et le lecteur parcourent ses ébauches littéraires dactylographiées au début de certains chapitres. Il accepte également un massage de Diego avant de revoir Laura pour calmer son tract. La mise en page illustre la minutie de son ami et le bien-être de Castagnette à travers la succession de onze petites cases. Malgré des blagues omniprésentes et mémorables, c’est la touchante expression de l’individualité des personnages qui reste au moment où le lecteur referme cette bande dessinée de Cantin. Ce récit montre avec humour les personnages en train de devenir adultes, en proie à l’incertitude et aux affres que provoquent les changements de cette transition.

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Samuel Cantin, Whitehorse – Deuxième partie, Gatineau, Éditions PowPow, 2017, 331 p.

[i] Le Bédélys est un important concours de la bande dessinée québécoise depuis 1999. Quatre prix sont décernés chaque année : Québec, Jeunesse, Monde et Indépendant.

Article par André-Philippe Lapointe.

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Le Seigneur de Saint-Rock. Territoire de l’imaginaire fantasy

Bande dessinée Critiques

04 novembre 2017

par Artichaut magazine

«Un bail pour les unir tous dans la splendeur du nouveau Saint-Rock»

(LSdSR, 4e de couverture)

Tant en bande dessinée qu’au cinéma, une véritable volonté de produire des œuvres de genre de qualité est visible au cours des dernières années. Par exemple, le post-apocalyptique québécois contemporain revisite le genre à travers des figures significatives comme l’automate, le zombie, la ville enneigée. Par contre, en culture populaire, lorsqu’on se tourne vers le passé, l’héritage de Tolkien se présente comme incontournable. C’est sur ce classique que se fonde la trame narrative de la bande dessinée Le Seigneur de Saint-Rock de la dessinatrice ValMo et du scénariste Francis Desharnais, publiée aux éditions Front Froid, qui se spécialisent dans la BD de genre, en mars 2017.

Généralement, la couverture d’une bonne bande dessinée présente plusieurs éléments narratifs significatifs. Le titre indique d’emblée l’intertextualité vis-à-vis du , écrit par Tolkien et paru en 1954-55. La bande dessinée illustre l’héritage essentiel de l’œuvre dans la culture geek, notamment à travers la fantasy, les jeux de rôle et les jeux vidéo. Le titre éclaire également sur le lieu de l’intrigue, soit le quartier Saint-Roch de la ville de Québec. Dans la mesure où la grande majorité des bandes dessinées québécoises se déroulent à Montréal[i], ce choix est judicieux. Le changement de Roch par Rock témoigne du ton décontracté et légèrement irrévérencieux de l’œuvre. Le récit raconte le combat d’un groupe de cinq jeunes adultes contre le terrible capitaliste Saumon qui désire s’approprier le quartier. La couverture présente également l’expressif et magnifique style visuel de la dessinatrice qu’on retrouve dans l’album. On y voit les cinq personnages volontairement typés, comme peuvent l’être traditionnellement les personnages appartenant à des classes dans les jeux de rôle ou les jeux vidéo. Menaçante, l’immense forme sombre et informe de Saumon domine les cinq protagonistes, le quartier et les nuages.

Page couverture Source: Site web «monsaintroch»

Dans cette œuvre, un bail vient remplacer l’anneau unique. Il s’agit toutefois toujours de raconter l’histoire d’une lutte pour l’autonomie d’un territoire (dans LSdA, la Terre du Milieu; dans cette BD, le quartier Saint-Rock). Avec la potentielle désappropriation du territoire vient un imaginaire de la fin avec l’homogénéisation de la diversité de la population. Il s’agit de la volonté d’aplanir toutes les extravagances qui caractérisent les peuples-communautés habitant le quartier: «les elfes et leur mode de vie nonchalant», «les trolls, êtres de violence gratuite», «les humains et leur agaçante procrastination» (LSdSR, 4e de couverture). Lorsque se confrontent les troupes de Saumon, de petits actionnaires et les différents citoyens du quartier, les premiers sont entièrement formés d’un seul peuple-communauté avec une multitude d’individus identiques. Ainsi, la bande dessinée propose une lecture contemporaine de l’œuvre de Tolkien et présente les conséquences de l’indifférence civique envers la prétendue marche inévitable du progrès et l’absence d’un esprit de communauté suffisamment puissant pour s’unir et résister.

Saumon, les petits actionnaires et les habitants du quartier
Source: LSdSR, p. 108

 

Si l’enjeu narratif se fonde sur l’œuvre de Tolkien, les personnages sont aussi influencés par l’univers de la fantasy à travers le jeu de rôle/grandeur nature, qui illumine leur quotidien. On retrouve en effet des éléments empruntant aux deux activités: costumes, combats réels, feuilles de personnages, etc. La revue pornographique dont tente de s’emparer un jeune adolescent rappelle la cassette porno du 13e épisode de la sixième saison de South Park, «The Return of the Fellowship of the Ring to the Two Towers» (2002). Ces deux objets interdits (aux jeunes gens) évoquent l’anneau de pouvoir. De nombreux autres clins d’œil sont faits à d’autres œuvres de la culture populaire. Lorsqu’on présente le backstory des trois actionnaires principaux, on pense à la série vidéoludique Sly (2002-13) au moment où est présentée l’histoire de chaque redoutable criminel. Les actionnaires représentent différents maux contemporains: l’attitude douchebag et le capitalisme sauvage pour Gravlax, la complète superficialité et la société du spectacle pour Soprema et l’attitude playboy et l’industrie pornographique pour Léon Cardamone. Une fois les trois adversaires neutralisés, les actions apparaissent magiquement, de manière analogue aux exmaléfiques qui se transforment en pièces de monnaie dans la bande dessinée Scott Pilgrim (2004-10). Plus le récit avance, plus le lecteur ressent la distanciation que provoque la présence bien visible des stéréotypes. Par exemple, à la fin du récit, un personnage révèle sa filiation à la manière du cinquième épisode de Star Wars (1980). Saumon s’enfuit également à l’intérieur de son immense vaisseau-dragon en assurant que sa «vengeance sera terrible» (LSdSR, p.121-22), les autres personnages déclarant la réplique «tellement cliché[e]» (LSdSR, p.122).

Le backstory de Soprema
Source : Site web «BDGest»

La portée de l’œuvre ne réside en effet pas dans sa trame narrative[ii]. On ne doute à aucun moment de l’heureuse résolution du conflit. L’absence de réelle tension narrative n’entrave cependant jamais le plaisir de lecture. Comme dans un album d’Astérix, on aime voir comment les personnages vont résoudre leurs problèmes en fonction de leurs propres caractéristiques. Et, à la fin de leur aventure, les héros victorieux ont droit au traditionnel festin où la communauté, réunie, célèbre gaiement. La mise en page, cependant, est bien moins classique: l’absence de cadres aux cases assure une plus grande fluidité, s’adaptant aux gestes et aux réactions des protagonistes et à leurs péripéties. De fait, grâce au rythme des cases, le lecteur est contaminé par l’enthousiasme entourant la communauté geek. La présence de nombreuses splash page[iii] renforcent l’intensité dramatique, voire l’imaginaire de la fin. La tour de Saumon est d’ailleurs montrée à plusieurs reprises. Plusieurs planches sans dialogues viennent également insister sur le passage du temps et les espaces, tant réels qu’imaginaires, qu’habitent les personnages. L’humour omniprésent ne vient jamais réduire la passion de ces espaces que les personnages ont su investir d’une signification particulière et à l’intérieur desquels s’articule leur communauté.

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Val Mo, Francis Desharnais, Le seigneur de Saint-Rock, Montréal, Front froid, 2017, 127 p.

[i] Qu’il s’agisse de l’immense parcours «Paul à Montréal» ou de l’exposition urbaine «Rues de Montréal», le 375e anniversaire de la ville de Montréal a bien montré la (sur)présence de la métropole comme principal lieu de la BD québécoise.

[ii] D’autres œuvres de Front Froid conviennent mieux aux lecteurs recherchant un récit plus étoffé: le collectif cyberpunk Réservoir (2016), dont vous pouvez lire la critique ici, ainsi que Léthéonie (2013) de Julien Paré-Sorel, qui nous plonge dans un monde onirique et énigmatique.

[iii] On appelle splash pages les planches qui ont seulement une case/illustration qui s’étend sur toute la page. Étant donné leur rareté, ces planches produisent généralement un effet de présence.

Article par André-Philippe Lapointe.

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